HACE CINCUENTA AÑOS… (tercera parte)

LAS GRANDES PELÍCULAS 1961
3.EL MUNDO

Los años sesenta fueron fascinantes porque se abrían temáticas y se salía a la calle a filmar. Las nuevas formas de hacer cine, y las herramientas disponibles, daban lugar a la experimentación infinita. El cine de color y el no cromático se alternaban creativamente dependiendo de la trama y los matices necesarios. Había un Cinemascope (pantalla ancha) en blanco y negro, porque la cinta lo merecía, no solamente por las necesidades comerciales que luego impondría el paso por la televisión.

Cada país, a su manera, expresó lo que tenía que comunicar. Había casos de libertad y otros de censura; limitaciones presupuestales o ayudas y subsidios. En algunas naciones apenas se iba a dar la explosión de sus “nuevas olas”. Checoslovaquia a partir de 1962; Alemania esperaría hasta 1966; los países orientales, exceptuando a Japón (cuyos directores ya eran mayores y de experiencia), tardarían muchos años para ir destacando. En Latinoamérica las cinematografías más destacadas seguían siendo Cuba (tanto con producción propia, como las coproducciones realizadas con otros países antes del castrismo) y Argentina, aunque este año no produjeron cintas significativas. Francia e Italia eran ejemplares. Y a México llegaban por las embajadas o porque se pasaban en las Reseñas de Acapulco que luego se repetían en la Ciudad de México, y a Monterrey, por casualidad o porque algún exhibidor se arriesgaba o por los cineclubes, aparecían joyas que a continuación les consigno.

FRANCIA

• EL AÑO PASADO EN MARIENBAD
• (L’anée derniére a Marienbad)
Dirección: Alain Resnais
Un hombre y una mujer se conocen o se reencuentran en un palaciego hotel de Marienbad. Recuerdan y reinterpretan lo que sucedió o pudo haber sucedido. Guión de Robbe-Grillet, teórico y creador (entre otros novelistas) del nouveau roman, la nueva novela, donde la trama ya no importaba tanto, sino los detalles, las minucias, un hecho en abstracto.


• UNA MUJER ES UNA MUJER
• (Une femme est un femme)
Dirección: Jean Luc Godard
Primera película en colores del padre de la Nueva Ola Francesa. Una trama ligera para rendir homenaje al cine musical de Hollywood aunque sea solamente de pasada. Una desnudista de cabaret quiere embarazarse. Su novio se niega y busca la ayuda de un amigo para lograrlo. Muchas referencias fílmicas ante un Godard que insiste en ser audaz y antinarrativo común y corriente.


• CRÓNICA DE UN VERANO
• (Chronique d’un été – Paris 1960)
Dirección: Jean Rouch y Edgar Morin.
El llamado cinema-verité tiene un gran ejemplo en esta película cuyo estilo y técnica fue más sencilla debido a las nuevas cámaras de 16 mm (aunque ahora es común y corriente). Las entrevistas a personalidades, amigos y desconocidos acerca de París, la guerra en Argelia, los hechos cotidianos, dejan un documento de vida y momento particular de un país.


• CLEO DE CINCO A SIETE
• (Cléo de 5 à 7)
Dirección: Agnès Varda.
La única directora de la Nueva Ola ofrece el retrato de una cantante, frívola, quien pasa dos horas con el temor de ver a su médico: le dará el resultado de unos análisis y no quiere saber si tiene un tumor que la matará. En ese tiempo tendrá diversas experiencias que le darán otra perspectiva de vida: conoce a un soldado que partirá a luchar en Argelia cuya existencia dependerá de otros factores.


• LOLA
Dirección: Jacques Demy
Primer largometraje del más gentil realizador de la Nueva Ola a quien le gustaba mostrar problemas amorosos con su complejidad inherente. Lola es una bailarina y cantante de centro nocturno. Reencuentra a un viejo amigo que la ama pero ella espera el retorno del padre de su hijo mientras tanto.


ITALIA

• LA NOCHE
• (La notte)
Dirección: Michelangelo Antonioni
Luego de La aventura que había levantado mucha controversia el año anterior, Antonioni filmó otra alegoría sobre el fin del amor y la indiferencia en el matrimonio. Un afamado novelista visita junto con su esposa a un amigo que está enfermo terminal. Luego asisten a una reunión donde se celebra la publicación de su nuevo libro. Este contraste entre vida y muerte viene a ser una metáfora de lo que está sucediendo con la pareja. La acción ocurre en menos de un día, en la ciudad de Milán. Segundo título de la trilogía sobre la incomunicación y el desamor (la tercera sería El eclipse, al año siguiente).


• VANINA VANINI
Dirección: Roberto Rossellini
Sobre el relato de Stendhal tenemos la historia de un amor tormentoso que llega a la traición para salvar obstáculos y terminar trágicamente. Vanina Vanini es una princesa romana enamorada del rebelde que busca la unificación italiana. El maestro Rossellini ofrece otro retrato de la pasión amorosa que siempre tiene alguna limitante. Mutilada por su productor y perdida la versión original, nos queda, de todas maneras, imágenes de cierto significado del amor.


• ACCATONE
Dirección: Pier Paolo Pasolini
La primera cinta de Pasolini está basada en su propia novela Una vida violenta donde narra la historia del padrote que nunca ha trabajado en su vida. Cuando la prostituta que explota cae en la cárcel, Accatone ya no tiene ni siquiera para comer. Intenta buscar otra víctima pero fracasa. No le queda más que ingresar a la vida criminal. Visión de los barrios bajos de Roma que el director conocía bastante bien. Preámbulo de una obra fílmica que sería extrema, ardiente y apasionante.


• EL EMPLEO
• (Il posto)
Dirección: Ermano Olmi.
Un joven suburbano (apenas 18 años), hijo de familia de clase baja, asiste a una entrevista de trabajo. Lo consigue pero la falta de experiencia lo coloca como mensajero. La muerte de un empleado permite que haya una vacante. La consigue pero en su interior piensa que su antecesor también comenzó a su edad. Segunda cinta de un hijo del neorrealismo que critica a la sociedad industrializada. Otra vez Milán es la ciudad protagónica.


• LA CALLE
• (La viaccia)
Dirección: Mauro Bolognini
Un joven pueblerino viaja a la gran ciudad para trabajar y ver los asuntos relacionados con la herencia de una granja. Conoce a una prostituta de la que se enamora apasionadamente. Entre ambiciones e intereses personales se va desarrollando otro retrato de la idiosincrasia italiana.


• DIVORCIO A LA ITALIANA
• (Divorzio all’italiana)
Dirección: Pietro Germi
Un noble siciliano harto de su vida conyugal con su fea esposa decide asesinarla para casarse con su prima ya que por esos tiempos el divorcio no existía en Italia. Al saber que un crimen por defensa de su honor le daría una pena ligera, empieza a buscarle amante a su mujer para pescarlos en el acto. La cinta es una sardónica mirada a las políticas conservadoras y religiosas del estado.


GRAN BRETAÑA

• POSESIÓN SATÁNICA
(The Innocents)
Dirección: Jack Clayton.
Basada en la novela corta de Henry James tenemos una soberbia representación de la posesión fantasmal como metáfora de la represión sexual o proyección de los deseos internos de una institutriz que es testigo de las intenciones de dos amantes muertos por poseer a sendos niños y consumar su amor a través de ellos.


• VÍCTIMA
(Victim)
Dirección: Basil Dearden
La homosexualidad era castigada con cárcel en Inglaterra. Un alto magistrado es víctima del chantaje por un grupo de delincuentes que utilizaban a jóvenes como carnada. Fue la primera cinta británica que tocaba el tema abiertamente y esto daría lugar, en el futuro, a una revisión legal sobre al asunto.


• MIENTRAS SOPLA EL VIENTO
(Whistle Down the Wind)
Dirección: Bryan Forbes
Primera película de un realizador apasionante y audaz en su temática donde varios niños descubren a un criminal fugitivo y herido en el establo de su granja. Creen que es Jesús en su segunda venida y, dentro de su inocencia (que podría equipararse al fanatismo), lo cuidan y veneran.


SUECIA

• A TRAVÉS DE UN ESPEJO OSCURO
• (Sasom i en spegel)
Dirección: Ingmar Bergman
Inicio de una trilogía acerca del silencio de Dios. El maestro Bergman filma sus inquietudes religiosas que tienen que ver con la moralidad y la mortalidad. Una mujer vuelve al hogar luego de estar en una clínica para enfermos mentales. Descubre que tiene una enfermedad degenerativa y que su padre novelista la utiliza para su obra. Su esposo se desespera. Su hermano menor comparte las angustias. Luego seguirían Luz de invierno y El silencio: aquí tenemos un inicio soberbio.


JAPÓN

• YOJIMBO
• (Yôjinbô)
Dirección: Akira Kurosawa.
Un guerrero ronin llega a un pueblo para enterarse que hay dos bandas de delincuentes que lo asuelan. El hombre organiza la situación para que las bandas se eliminen entre ellas. Relectura velada de “Cosecha roja” de Dashiell Hammett; inspiración para Sergio Leone que la volvió a filmar como Por un puñado de dólares y Walter Hill como El último hombre.


• FIN DEL VERANO
• (Kohayagawa-ke no aki)
Dirección: Yasujirô Ozu
En su penúltima cinta, el maestro Ozu ofrece una visión del Japón que debía modernizarse para sobrevivir. El dueño de una añeja productora de sake debe asociarse con otra compañía. Sus hijas están en proceso de cambios en sus vidas. Una hija que tuvo fuera de matrimonio es más frívola que tradicional y sus ambiciones consumistas la llevan a sostener relaciones con norteamericanos. Sutilmente, a través del melodrama, en una estación muy bella de Japón, un viejo pilar del cine nos habla de transformación o muerte.


ESPAÑA
• PLÁCIDO
Dirección: Luis G. Berlanga.
Ácida crítica a la campaña franquista de “Siente a un pobre en su mesa”. En un pueblo, durante la época navideña, la gente de sociedad decide invitar a un indigente y a un famoso en sus mesas. Plácido es un hombre que acaba de independizarse como comerciante y comprado un motocarro (un vehículo de tres ruedas, popular en España) y lo renta para mover al coordinador de campaña para pagar su mensualidad. Así somos testigos de hechos corrosivos y divertidos que suceden durante las cenas de Navidad donde la burguesía acalla su conciencia por medio de caridades gratuitas nada espontáneas como si fuera un “Telethón” o “Dona cinco pesos en la dulcería”.


POLONIA
• LADY MACBETH DE SIBERIA
• (Sibirska Ledi Magbet)
Dirección: Andrzej Wajda
Filmada en Yugoslavia con temática que sucede en ámbitos soviéticos tenemos la historia de una mujer que mata por pasión amorosa más que por ambición. Cuando otras personas descubren su relación con un tipo que conoció, una mujer las va eliminando sin remordimiento, con crecimiento de su relación prohibida. Obra poco valorada de su estupendo realizador.


• MADRE JUANA DE LOS ÁNGELES
(Matka Joanna od aniolów)
Dirección: Jerzy Kawalerowicz
Un sacerdote llega al convento de las ursulinas donde la madre superiora ha sido poseída por el demonio. Otro sacerdote había sido quemado en la hoguera luego de haber tenido relaciones e hijos con otras monjas del lugar. Es el siglo XVII donde la represión sexual podía ser sinónimo de locura o posesión como la política de género permitía los abusos y violaciones sin castigo para los hombres.

HACE CINCUENTA AÑOS… (segunda parte)

LAS GRANDES PELÍCULAS 1961
2. ESTADOS UNIDOS

La producción norteamericana siempre ha sido abundante. En los años sesenta comenzó a notarse cierta apertura temática debido a los cambios del cine mundial (en realidad ya los años cincuenta se habían permitido ciertas audacias), aunque todavía existía una censura limitante que daba lugar a sugerencias y pistas de asuntos prohibidos.

Un caso que puede destacarse es con el melodrama musical “Amor sin barreras” que fue estrenado en México hasta 1963 (y en Monterrey más tarde) donde una simple escena que mostraba a unos jóvenes amantes yaciendo en cama, luego de haber tenido relaciones sexuales, fue cortada para su exhibición nacional. Lo que en Estados Unidos ya era permitido, aquí no se aceptaba.

En otros ejemplos, la prostituta elegante de “Muñequita de lujo” o la tensión sexual en “Esplendor en la hierba” o el lesbianismo de “La mentira infame” o el amante de paga en “Primavera romana” eran personajes y situaciones impensables en otros tiempos, pero esas cintas se realizaron en 1961.


• AMOR SIN BARRERAS
(West Side Story)
Dirección: Robert Wise & Jerome Robbins.
Versión fílmica de la adaptación de Romeo y Julieta al teatro musical. Amor imposible entre dos jóvenes pertenecientes a etnias diferentes cuyos odios se demuestran ante la rivalidad de pandillas que viven en el lado poniente de Manhattan. Nuevas imágenes del deterioro social a través de los jóvenes. Coreografías espectaculares de un gran creador cuyo trabajo ha quedado inmortalizado en la cinta. Despliegue técnico más avanzado de la época en imagen y sonido.


• MUÑEQUITA DE LUJO
(Breakfast at Tiffany’s)
Dirección: Blake Edwards.
Lectura fílmica de una noveleta extraordinaria por uno de los grandes escritores norteamericanos, o sea Truman Capote. Holly Golightly es un personaje inolvidable con un pasado tormentoso y un presente turbio. Llama la atención de un nuevo vecino en el departamento donde vive. Su profesión nunca se dice abiertamente pero se sugiere. El juego de palabras del nombre (sagrada, ir de manera ligera, frivolidad) da una idea mayor. La cinta viene a ser una historia de amor cuya gran cualidad fue un reparto adecuadísimo y una dirección elegante. El triunfo de la forma sobre el fondo, sobre todo porque se insertó un final feliz que traicionó al personaje pero encantó al espectador.


• ESPLENDOR EN LA HIERBA
(Splendor in the Grass)
Dirección: Elia Kazan.
Un argumento original del dramaturgo William Inge se fue a los tiempos previos a la Gran Depresión Económica para narrar diferencias de clase, abusos de poder, tensión sexual entre jóvenes que lleva a la locura. El título se basa en unos versos de William Wordsworth: “Aunque nada puede devolvernos la hora del esplendor en la hierba, de gloria en la flor; no lamentaremos, más bien encontraremos fuerza en lo que dejamos atrás” ya que la joven Deanie (Natalie Wood) debe reprimir su deseo sexual por el rico Bud (Warren Beatty, en su debut cinematográfico) porque primero están los valores virginales.


• LA LEY DEL HAMPA
(Underworld U.S.A.)
Dirección: Samuel Fuller.
Un realizador completo, autor total, nos introduce en una historia de bajos fondos criminales para hablarnos sobre la venganza y su valor de redención. El jovencito Tolly es testigo del asesinato de su padre a manos de unos hampones. En lugar de delatarlos espera otro momento. Pasa el tiempo y ahora como hombre adulto (Cliff Robertson, gran actor, en su mejor momento) ingresa al mundo del hampa para cobrarse el rencor contenido. Otro personaje inadaptado que vive por motivos ingratos y nunca podrá alcanzar ni felicidad ni equilibrio social.


• EL CID
(El Cid)
Dirección: Anthony Mann.
El gran poema anónimo de la literatura española tuvo una inteligente lectura visual y narrativa en esta versión filmada por uno de los grandes realizadores del cine épico (policiaco y del oeste). Don Rodrigo logró unificar a España al luchar contra los moros. Filmada en los estudios del productor Samuel Bronston en España, es una superproducción norteamericana de altos vuelos con un Charlton Heston especializado en roles de personajes magnos y una Sophia Loren que ese mismo año se distinguiría como gran actriz en “Dos mujeres”.


• REY DE REYES
(King of Kings)
Dirección: Nicholas Ray.
Una versión distinta, más terrenal, contextualizada dentro del ámbito político en el cual se desarrolló la existencia de Cristo. El realizador Ray ofreció, de esta manera, una visión humanizada, alejada de la mera ilustración del pasaje evangélico. Barrabás juega un rol importante lo mismo que Judas para explicar el mecanismo de la traición. La gran convención de esta excelente vida de Jesús estriba en el atractivo de Jeffrey Hunter que lo aleja del hombre común y corriente, pero era Hollywood.


• LA MENTIRA INFAME
(The Children’s Hour)
Dirección: William Wyler.
Esta película fue una nueva versión de un melodrama teatral escrito por Lillian Hellman en los años treinta y que Wyler ya había filmado bajo el nombre de Infamia (These Three, 1936). Un par de maestras sufren el rechazo de los habitantes del lugar cuando una de sus alumnas cuenta una mentira. En la cinta anterior se hablaba de relaciones prohibidas entre el novio de una de ellas con la otra; ahora podía saberse que, a pesar de ser una mentira, la niña hablaba de atestiguar relaciones peculiares entre las dos maestras. Sin embargo, esa calumnia daba lugar a que surgiera una verdad: una de ellas estaba enamorada de la otra. Tratamiento sutil del lesbianismo reprimido que, por razones de época, llevaba al suicidio de la “anormal” (como entonces se les llamaba a los homosexuales).


• PRIMAVERA ROMANA
(The Roman Spring of Mrs. Stone)
Dirección: José Quintero.
Una novela de Tennessee Williams acerca de una mujer cincuentona, quien queda viuda y viaja hacia Roma. Ahí compra los favores sexuales de un joven que le hace tomar conciencia de su edad y de la falta de amor. Cuando queda sola, se da cuenta que no le quedará otra alternativa que seguir pagando la compañía de hombres jóvenes cuando era una situación en la que no pensaba caer. Las malas lenguas comentaron que era un autorretrato del propio Williams. Único largometraje para la pantalla grande de un director teatral distinguido. Un reparto extraordinario superó al esquemático guión.


• LOS INADAPTADOS
(The Misfits)
Dirección: John Huston.
Barbarie contra civilización. Un grupo de vaqueros va en busca de caballos salvajes para venderlos como posible alimento para perros. Uno de ellos conoce a una recién divorciada que se convertirá en la voz de la razón. Una mirada a los restos del viejo oeste y a prácticas ya largamente superadas. Último largometraje de Clark Gable y Marilyn Monroe. Presencia de leyendas como Eli Wallach, Montgomery Clift, Thelma Ritter.


• UNO, DOS, TRES
(One, Two, Three)
Dirección: Billy Wilder.
Una comedia ácida, con todo el ingenio de su director, acerca de la guerra fría: un ejecutivo de la Coca Cola en Alemania Federal recibe la petición de su jefe que cuide a su alocada hija. Lo peor llega cuando la muchacha se enamora de un revolucionario comunista de la Alemania del Este. El ejecutivo no puede perder sus esperanzas de ser nombrado Director europeo del mencionado refresco. Al tratar desde un fondo frívolo la situación política de su país natal, el maestro Wilder dijo más que cualquier tésis doctoral o comentario editorial.


• EL AUDAZ
(The Hustler)
Dirección: Robert Rossen.
Retrato del ser autodestructivo a pesar de su talento. Aunque su área de desarrollo es el juego de billar, la situación puede extrapolarse al artista de éxito que se deja dominar por sus pasiones y cae desde las alturas (y el médico de moda o cualquier talentoso alcohólico). Eddie (Paul Newman en el gran papel que lo lanzó al estrellato universal) ama lo que hace, lo mismo que a su novia, pero le falta la disciplina para triunfar.


• TUYA EN SEPTIEMBRE
(Come September)
Dirección: Robert Mulligan.
Una comedia cosmopolita que sucede en el mundo del millonario Rock Hudson quien cada año viaja en septiembre para encontrarse con su amante italiana Gina Lollobrigida en su gigantesca villa. Ahora adelanta su traslado a julio para darse cuenta que su mayordomo renta el lugar como hotel durante los restantes once meses. La situación se complica porque llega una maestra como chaperona de varias adolescentes norteamericanas. El millonario debe comportarse correctamente para no dar falsas ideas a sus indeseables inquilinos. El maestro Mulligan se distinguió por sus dramas estupendos (“Matar un ruiseñor” o “Desliz de una noche”, por ejemplo), pero su versatilidad e inteligencia daban para este retrato de la moralidad entendida como pureza y del sexo como algo que debe gozarse dentro del matrimonio, aunque dando guiños de ojos a cada rato.


• EL ÚLTIMO ATARDECER
(The Last Sunset)
Dirección: Robert Aldrich.
El cine del oeste como escenario de tragedia griega. Un criminal llega a México al rancho donde vive una mujer que fue su amante. Ahora casada y con una hija le ofrece trabajo. Llega un oficial texano con la intención de capturar al hombre. Mientras éste se enamora de la mujer, el criminal enamora a la hija. Luego descubre que en realidad es también su hija biológica. Decide participar en un duelo con su pistola descargada para que se cumpla su destino. El maestro Aldrich nos ofrece una impactante cara natural del género: ese vasto espacio donde todas las pasiones se incendian.


• LOS CAÑONES DE NAVARONE
(The Guns of Navarone)
Dirección: J. Lee Thompson.
El cine espectacular de esos tiempos: hay que destruir dos cañones gigantescos que los alemanes han colocado en una isla griega para destruir a las tropas británicas asentadas en otros lugares que están dentro del rango de ataque de estas armas. Un equipo de hombres tendrá que buscar la manera para destruirlos. Entretenimiento puro y épico que explota las cualidades propias del género de acción, con reparto estelarísimo (Gregory Peck, Anthony Quinn, entre otros).


• JUICIO EN NUREMBERG
(Judgment at Nuremberg)
Dirección: Stanley Kramer.
Tres años después del término de la Segunda Guerra Mundial se llevaron a cabo varios juicios para quienes habían sido, a su vez, jueces que determinaron las prácticas de esterilización y experimentación médica entre las personas de raza judía. Entre los deseos de olvidar el pasado y de hacer justicia, la cinta muestra la visión de la derrota, las consecuencias de la megalomanía y del poder aplicado por medio de un loco.

Y por supuesto que hay muchos títulos entrañables... "Milagro por un día"
de Capra, "El rostro impenetrable"
de Brando, "Homicida"
de William Castle, entre otros...

Y ya solamente les debo las películas de otros países... Muy pronto, aquí estarán...

HACE CINCUENTA AÑOS... (primera parte)

LAS GRANDES PELÍCULAS 1961
1.MÉXICO

Es tan difícil establecer listas de películas preferidas con números específicos. He hecho un ejercicio previo a esta publicación donde quise limitarme a diez títulos por país o región y me fue imposible. Son muchas las admiraciones y han sido tantos los talentos que han trascendido en el tiempo. Aquí quiero compartirles mis preferencias de esos títulos que se tornarán cincuentenarios a partir del primero de enero. Fue la huella que dejaron en mis ojos infantiles (algunas las vi en su estreno) o adolescentes (las que pude conocer por la televisión o el cineclub o el estreno tardío o el “relleno” inesperado de los programas dobles) o más recientemente en la mirada adulta que el DVD nos permite.

La lista viene separada por cintas mexicanas; luego norteamericanas; finalmente del resto del mundo. En las primordiales he colocado un corto comentario; luego me he limitado a enlistar títulos con datos que permiten su localización tanto para profundizar en ellos o buscarlos en el formato DVD.

Ahora bien, el calificativo de "grandes" se refiere a la estética cambiante. Los años nos han dado otra perspectiva cultural. Siempre habrá el amargado que se escude con la palabra "churro" sin haberlo disfrutado. ¿Quién puede negar que lo que se consideraba "basura" del pasado es "prestigio" contemporáneo? Ahora todo mundo adora a Tin Tan y usa a El Santo como emblema de mexicanidad. Este cine es, contra toda opinión negativa, el que nos modificó la mirada a quienes lo gozamos y vimos. ¿Quién puede negar doctamente, con conocimiento de causa, que los adolescentes de "Partes usadas", "Amores perros" o la que se les venga en gana no sean los descendientes de "Los falsos héroes"? Hay límites y niveles, pero todo tiene su valor...


•VIRIDIANA
Dirección de Luis Buñuel.
Coproducción con España.

La novicia Viridiana (Silvia Pinal en la gran oportunidad de su vida) deja el convento cuando cree que su tío Jaime ha abusado de ella. El hombre se suicida y deja su fortuna en dos partes. Una para Viridiana y la otra para su hijo bastardo Jorge quien vendrá a darle otro sentido a la vida de la exnovicia. Una imagen crítica de quienes piensan que el mundo se salvará de acuerdo a su voluntad sin considerar a los otros con sus faltas y defectos. Los ideales de Viridiana están alejados de su realidad.


• LOS HERMANOS DEL HIERRO
Dirección: Ismael Rodríguez.

Principios de siglo veinte. Norte de la república. Un par de medios hermanos han crecido alimentados por el rencor de su madre contra quien asesinó al segundo marido. El menor (Julio Alemán) tiene problemas psicológicos que lo convierten en frío asesino. El mayor (Antonio Aguilar)debe cargar con sus culpas y defectos, además de protegerlo. Imagen del destino trágico en conjunto, de las consecuencias funestas de la violencia, del sacrificio amoroso como metáfora de la piedad que surge entre los deseos de venganza. Prueba mayúscula del valor desperdiciado que fue el maestro Ricardo Garibay como guionista.



• TLAYUCAN
Dirección: Luis Alcoriza.

Los habitantes del pueblo llaman blasfemo a Eufemio (Julio Aldama) por haber robado la perla de la coronita de la virgen ya que pensó que era una señal milagrosa al ver los “flashazos” de las cámaras de unos turistas. Esto lo delata. Mientras tanto, su mujer (Norma Angélica) es el objeto erótico del mirón rico (Andrés Soler) del lugar; una solterona beata (Antia Blanch) se emborracha y copula con un mendigo ciego (Noé Murayama) que vendrá a ser su marido; los cerdos se tragan la perla y habrá que revisar sus excrementos; el erotismo y la ironía vendrán a ser los elementos que definen a un pueblo que todavía cree en el goce y en la solidaridad.


• EN EL BALCÓN VACÍO
Dirección: Jomí García Ascot

Cinta independiente, filmada por refugiados e hijos de refugiados españoles, que habla acerca del dolor de la separación, la historia que se trunca, los hechos absurdos de la política (sobre todo, la franquista). Nunca exhibida comercialmente, realizada en fines de semana, precursora del cine que se haría durante el Primer Concurso de Cine Experimental. Una mujer vuelve, en la imaginación, a la casa de su infancia para tratar de recuperar pedazos de vida: una vida que le fue arrancada contra su voluntad.


• PUEBLITO
Dirección: Emilio Fernández.

Luego de cinco años sin filmar, el Indio volvió a las andadas con esta relectura simple de “Río Escondido” donde ya no le importaba la violencia para acabar contra la tiranía, pero continuaba con su apología de la educación para ser libres: ahora era la misma ignorancia la que vencía al cacique (Fernando Soler) que añoraba a su mujer (Lilia Prado) y no podía leer la carta que le había escrito. La maestra (María Elena Marqués) quiere su escuela y un ingeniero (José Alonso Cano) buscará la manera de proveer, sobre todo cuando se une la autoridad analfabeta con la buena voluntad.


• ROSA BLANCA
Dirección: Roberto Gavaldón.

La película tardaría once años en estrenarse. La denuncia de compañías petroleras que llegaban al crimen con tal de apoderarse de terrenos donde estaba el oro negro pareció ofensiva a las autoridades gubernamentales para los países que luego sufrieron expropiación. Aparecía el personaje del gobernador de Veracruz (en la vida real Miguel Alemán) y actuaba Christiane Martell (en la vida real, relacionada con los Alemán). Estos elementos que le dieron miedo a mentes chatas pero poderosas le quitaron el impacto que la cinta hubiera tenido en sus tiempos de producción al ser estrenada cuando llegó la “apertura echeverrista”.


• ÁNIMAS TRUJANO
Dirección: Ismael Rodríguez.

Un indio zapoteca, borracho y soberbio, quien desea ser el mayordomo de las fiestas y llegará a cualquier extremo para lograrlo. Retrato de las ambiciones pequeñas e inútiles; indicio de la persona que se marea con un poder prácticamente nulo e indiferente; imagen de quienes viven sumergidos en su propia ignorancia con el sueño de triunfar sin mérito; Rodríguez importó a Toshiro Mifune para darle mayor resonancia y Figueroa filmó en efectivo Cinemascope que no ha sido restaurado para los medios electrónicos.


• EL TEJEDOR DE MILAGROS
Dirección: Francisco del Villar.

Una pareja de indígenas miserables, donde la esposa está a punto de parir, llega en Nochebuena a un pueblo donde les da posada una comadrona y abortera. La situación que asemeja al nacimiento de Jesús permite explotar al fanatismo religioso de la comunidad por parte de los ricos y cínicos del pueblo ante la ira de un sacerdote (Pedro Armendáriz ya mostrando su calvicie sin pudor) igualmente contrastante y ambiguo. Crítica de la ignorancia e imagen de la hipocresía. Un nuevo realizador que daría lugar a un vasto zoológico en sus títulos fílmicos.


• LA FURIA DEL RING
Dirección: Tito Davison.

Un honesto promotor de lucha libre es asesinado porque se niega a arreglar sus encuentros. Su hijo es golpeado y hereda el negocio pero no así la manera de ser de su padre. Regresa un amigo que desea ser luchador y logra triunfar. Entran en disputa afectos e intereses particulares para que se vaya desarrollando lo que en realidad es un melodrama acerca de la dignidad humana dentro del género. El realizador Davison era un hombre cuidadoso y la cinta se nota diferente a las de El Santo, sobre todo en las secuencias de lucha libre que ya no son filmaciones de rutina sino escenas planeadas para su filmación.


• LOS FALSOS HÉROES
Dirección: Carlos Toussaint.

Un joven (Alfonso Mejía) es atropellado por una mujer mayor (Evangelina Elizondo) y ella lo protege y convierte en su amante. Además, ella lo introduce dentro de un grupo de otros jóvenes vividores para hacerlo consciente de su situación personal: es pobre, hijo de alcohólicos y nunca ganará lo que ahora disfruta fácilmente. Se une con los otros para robar bancos. Interesante descripción de la perversión dentro de cierto grupo social que incluye tanto a ricos ociosos como las rémoras que solapan corrupción y aspiran a una vida fácil.


• JÓVENES Y BELLAS
• MUCHACHAS QUE TRABAJAN
Dirección: Fernando Cortés.

Dos películas generacionales que muestran retratos idealizados de la juventud y el desarrollo económico de la capital. Ya sea por idilios en el campo donde las tensiones sexuales están presentes entre jóvenes sanos y optimistas hacia muchachas urbanas, sin problemas; ya sea porque hay un centro comercial en la incipiente área suburbana de la capital para brindar otro tipo de oferta consumista; ya sea porque los repartos juveniles describen una etapa particular de nuestro cine (Gastón Santos, Alfonso Mejía, Erna Martha Bauman, Ofelia Montesco, Angélica María, Álvaro Ortiz, entre otros que pronto serían desplazados); ya sea porque son divertidas, tienen música entrañable y contrastan mundos ideales y realistas.


• SANTO CONTRA LOS ZOMBIES
Dirección: Benito Alazraki.

Inicio de una industria icónica del cine nacional. El Santo debutó para la producción regular de los estudios Churubusco, fuera de las cintas en episodios que marcaran su debut tiempo atrás (y que volvería a hacer en este año y después). En esta película debe luchar contra una organización que “fabrica” zombies, apoyado por tres agentes especiales donde uno de ellos es una mujer interpretada por la también debutante Irma Serrano. La fórmula se instala: largas secuencias de lucha libre en una repleta Arena Coliseo, algún número musical, aditamentos entonces impensables para el personaje aunque realizados de manera paupérrima con cartón y pegamento.


• EL BARÓN DEL TERROR
Dirección: Chano Urueta.

Película de culto entre los aficionados al cine de terror: Vitelius es quemado por la inquisición en 1661 y retorna tres siglos más tarde gracias a un profético cometa para convertirse en una especie de hombre con cabeza de mosca que succiona masa encefálica a sus víctimas que son, en general, descendientes de sus verdugos. El monstruo es ridículo pero más gracioso resulta Abel Salazar, actor del personaje y productor de esta cinta como lo había sido de “El vampiro” y a quien deberemos otras joyas del género (como “La maldición de la llorona”, filmada poco después, bajo la dirección de Rafael Baledón).

Y “Cielo rojo”, “Atrás de las nubes”, “El tigre negro”,"Espiritismo", etc…