ANIVERSARIOS MEXICANOS EN 2012

Llega el momento para compartir con ustedes los aniversarios que se cumplirán en 2012 de películas mexicanas y del mundo con algunos comentarios pertinentes. Ojalá podamos disfrutarlas o redescubrirlas: verlas de nuevo como un homenaje indirecto. Quienes no las conozcan, ojalá logren acercarse a ellas. Tenemos un extraño centenario de una reliquia de 1912. Hay otras cintas que pasan mucho por televisión, varias están en DVD.
Disfruten. Más abajo expreso mi odio total contra un personaje que fue nefando para la cultura del cine mexicano (bueno, del país). Mañana publicaré el artículo con datos de otros países. En todo caso: ¡Feliz año nuevo!

A – EL CINE MEXICANO

1.-CENTENARIA (1912)

ANIVERSARIO DEL FALLECIMIENTO DE LA SUEGRA DE ENHART
Dir. Hermanos Alva.

Documentalistas pioneros de la Revolución Mexicana. Con esta película se tiene un ejemplo de lo que sería el cine de ficción silente. Enhart va al cementerio a visitar la tumba de su suegra. Se emborracha. La policía lo encarcela hasta que lo libera su compañero Alegría, con el cual trabaja en el teatro de variedades. Se han recuperado 23 minutos de metraje por la UNAM. Testimonio documental, indirecto, de cómo eran las calles de la capital en esos años de lucha revolucionaria.

2.-CINCUENTENARIAS (1962)

EL ÁNGEL EXTERMINADOR
Dir. Luis Buñuel.
Un grupo de personas de clase alta llega a cenar a la mansión de una pareja luego de haber asistido a la ópera. Más tarde, en el salón de piano, nadie puede dejar el lugar: se han quedado sin voluntad y temen salir. Pasan los días y empieza a surgir su verdadera naturaleza entre la suciedad y el desaliño. Una crítica social arriesgada y audaz para su tiempo y para el cine mexicano.

DÍAS DE OTOÑO
Dir. Roberto Gavaldón.
Una mujer llega de provincia porque ha quedado sola. Trae una carta de recomendación que hace que el dueño de una pastelería le brinde trabajo. Luego de ser humillada y abandonada en la puerta de la iglesia donde iba a casarse con un tipo que resultaba casado, se inventa una existencia falsa para mantener su dignidad. La malograda Pina Pellicer ofrece una de las grandes interpretaciones en la historia del cine mexicano.

TIBURONEROS
Dir. Luis Alcoriza
Un hombre ha vivido en la costa para ganar dinero como tiburonero y enviarlo para la manutención de su familia en el Distrito Federal. Acá tiene una joven amante y la vida libre. Sin embargo, cierto día decide retornar con su familia para reincorporarse a la urbe. No será fácil y se dará cuenta de que ha cometido un error. Discurso sobre los valores definidos por el contorno geográfico. La mejor película de su director.

LOS SIGNOS DEL ZODIACO
Dir. Sergio Véjar
Aprovechando una obra teatral de Sergio Magaña que deslumbró al México de 1951 porque retrataba un microcosmos social donde contrastaban los anhelos de superación y la insistencia en la autoderrota, dentro de una vecindad con sus personajes arquetípicos, debutó Véjar en el cine industrial, cuya larga carrera sería irregular. Llama la atención que se hable de revolución, aparezcan personajes homosexuales y se pueda disfrutar de un gran elenco.

RULETERO A TODA MARCHA
Dir. Rafael Baledón.
Nuevamente se muestra el contraste entre ciudad y pueblo. Crisóstomo deja Perros Bravos, Nuevo León, para ir a trabajar como taxista al Distrito Federal. Encontrará el amor con los consiguientes obstáculos que provoca la urbe. Una de las películas más populares de Piporro que consolidó su carrera como personaje taquillerísimo durante esta década.

SANTO CONTRA LAS MUJERES VAMPIRO
Dir. Alfonso Corona Blake.
Santo, establecido como héroe cinematográfico y luchador estrella, continuó con sus aventuras contra seres fantásticos o malvados. Esta película tuvo éxito y renombre internacional aunque al verla ahora solamente produce nostalgia por reparto entrañable y ofrece alguna imagen casualmente delirante. Retrato de un fenómeno popular.

UNA JOVEN DE DIECISÉIS AÑOS
Dir. Gilberto Martínez Solares.
La adaptación mexicana de una cinta argentina que a su vez dio lugar a una comedia musical de Hollywood con Rita Hayworth acerca de una joven que mantenía los valores tradicionales contra la emergencia de la modernidad. Un hombre era contratado para cortejarla y hacerle realidad un sueño romántico. Fue el año en que estalló el cine juvenil que marcaría a toda una generación con sus ídolos, como veremos más adelante.

LA RISA DE LA CIUDAD
Dir. Gilberto Gazcón.
El bienintencionado pero limitado Gazcón quiso dar otra visión social a través del melodrama. Un circo callejero con sus personajes usuales (bailarina, payaso, hombre orquesta y fortachón) son los símbolos de la clase maltratada y olvidada que sobrevive contra toda adversidad. El final moralizante es típico del género y el reparto se agradece (Julio Alemán, Joaquín Cordero, Alma Delia Fuentes, David Silva, Valentín Trujillo con once años).

EL BESO DE ULTRATUMBA
Dir. Carlos Toussaint.
Un curioso ejercicio de terror por un buen artesano que siempre ha sido subestimado a pesar de un grupo de cintas estimables (“Los falsos héroes”, “Y Dios la llamó tierra”) donde un periodista se casa con una mujer a la cual cree rica heredera para descubrir luego de la boda que no es cierto. Intenta matarla para cobrar un seguro de vida sin imaginar las consecuencias. Divertida muestra de sadismo.

A RITMO DE TWIST
Dir. Benito Alazraki.

EL CIELO Y LA TIERRA
Dir. Alfonso Corona Blake.

TWIST, LOCURA DE JUVENTUD
Dir. Miguel M. Delgado

BUENOS DÍAS, ACAPULCO
Dir. Agustín P. Delgado










Cuatro ejemplos de un género emergente que tendría a los ídolos musicales y juveniles del momento en sus repartos (Ma. Eugenia Rubio, Alberto Vázquez, Los Hooligans, César Costa, Enrique Guzmán, Angélica María, Patricia Conde, Fabricio, Mayté Gaos, Paco Cañedo, entre otros). Estas películas se han vuelto de culto por la generación que las disfrutó. Curiosas visiones del mundo juvenil por productores y directores mayores de edad que tenían sus propias ideas conservadoras (ejemplo: los jovencitos interpretaban viejas canciones con arreglos modernos): por eso son más extrañas y divertidas.

CORAZÓN DE NIÑO
Dir. Julio Bracho.
Versión mexicana y rural del clásico “Corazón, diario de un niño” del italiano Edmundo D’Amicis que era lectura obligada cuando éramos alumnos de primaria (eran otros tiempos antes de la horripilante bruja Gordillo) ya que se narraban historias de niños plenas de heroísmo, bondad, ingenuidad, valores. La película insiste en dar su mensaje nacionalista aunque en general es bastante disfrutable.

LA EDAD DE LA INOCENCIA
Dir. Tito Davison.
Uno de los mejores directores de melodrama, el chileno Davison se mete de lleno a la historia de una mujer, la titiritera Lisa (Marga López) quien vive negando la muerte accidental de su hija. Una pequeña vendedora de periódicos será el paliativo sustituto de su amargura. Una superproducción en colores con el atractivo de la compañía italiana de títeres Piccoli di Podreca, entonces de gira por México, aprovechados por el productor Carlos Amador.

PALOMA HERIDA
Dir. Emilio Fernández.
Una joven embarazada llega al pueblo donde mata a su cacique. Nos enteramos que fue víctima del tipo quien le mató a su joven novio para poseerla. Una crítica social bastante diluida que ocurre en un medio rural e indígena donde contrasta el ritmo del twist para centrarnos en época: los años han pasado pero la barbarie jamás. Una cinta menor del Indio Fernández.

LA BANDIDA
Dir. Roberto Rodríguez.
Un villista (Pedro Armendáriz) y un zapatista (Emilio Fernández) disputan los amores de una prostituta bragada (María Félix) que juega con los sentimientos ajenos y oculta los suyos propios. La cinta es una superproducción con Katy Jurado, López Tarso, Lola Beltrán: melodrama enmarcado por la lucha revolucionaria sin mayor atractivo que su elenco, sus lujos, sus audacias…






3-OTROS ANIVERSARIOS

1932 – OCHENTA AÑOS

…del estreno de Santa (1931), la primera película con sonido directo, filmada en México por Antonio Moreno.

…de la filmación, en el segundo año de la producción sonora en el cine nacional, de seis películas:

Aguilas frente al sol de Antonio Moreno.

Sobre las olas de Miguel Zacarías.

El anónimo de Fernando de Fuentes

Una vida por otra de John Auer

Mano a mano de Arcady Boytler

Revolución de Miguel Contreras Torres.











1937 – 75 AÑOS

…de la filmación de una cinta audaz, perdida por años, recuperada hace poco aunque incompleta: La mancha de sangre de Adolfo Best Maugard.

…del debut de Alejandro Galindo, importante realizador nacido en Monterrey, con Almas rebeldes.

…del debut, como realizador, de René Cardona, antes actor de cine hispano, de origen cubano, quien tendría una larguísima carrera con películas de cierto interés, con Don Juan Tenorio, donde tuvo el rol estelar.

…del debut en cine mexicano de Lupe Vélez actriz destacada en Hollywood, en La zandunga de Fernando de Fuentes.

1942 – SETENTA AÑOS

…del despegue de la llamada “Época de oro del cine mexicano” con cintas como Historia de un gran amor, La virgen que forjó una patria, El ángel negro, El baisano Jalil, Yo soy puro mexicano y otras, aunque sería más consolidado al año siguiente.Fueron los debuts de:

María Félix en El peñón de las ánimas

Pedro Infante en La feria de las flores

María Elena Marqués en Dos corazones y un tango

y del director Ismael Rodríguez con ¡Qué lindo es Michoacán!










1952- 60 AÑOS
Tres joyas de Luis Buñuel: Él

Robinson Crusoe

El bruto

Tres cintas memorables de Roberto Gavaldón: Las tres perfectas casadas,

El rebozo de Soledad y Acuérdate de vivir.

Dos comedias ejemplares de Ismael Rodríguez: Dos tipos de cuidado y Del rancho a la televisión.

Un delirio melodramático del Indio Fernández: Cuando levanta la niebla

Los últimos largometrajes de Fernando de Fuentes: Los hijos de María Morales y Canción de cuna

El buen melodrama de Julio Bracho en títulos como La cobarde, Rostros olvidados

y Mujeres que trabajan

1972- CUARENTA AÑOS
…del inicio con fuerza de la producción estatal con películas ya clásicas dentro de una etapa singular del cine mexicano (entre otras):
Fe, esperanza y caridad de Bojórquez, Alcoriza y Fons.

El principio de Gonzalo Martínez
El castillo de la pureza de Ripstein
El rincón de las vírgenes de Alberto Isaac
El profeta Mimí de José Estrada
El festín de la loba de Francisco del Villar
El monasterio de los buitres de Francisco del Villar
Cinco mil dólares de recompensa de Jorge Fons.

1982- 30 AÑOS
…del incendio de la original Cineteca Nacional gracias a la negligencia y desinterés de una funcionaria cerda, asquerosa, vomitiva, hipócrita, seudointelectualoide e inquisidora llamada Margarita López Portillo. La tipeja (mezcla de tipa y pendeja) estaba en su último año como funcionaria y claro que nunca se supieron los alcances de pérdidas y de víctimas. Proliferaba el cine de narcotráfico, sexycomedia e ilegales.
…de El criminal y Los peseros, filmadas en Monterrey, donde se nota indirectamente cómo iba la destrucción del centro de la ciudad para construir la Macroplaza.

…de Las modelos de desnudos, Los guaruras, Historia de una mujer escandalosa, La combi asesina, La víspera, etc…

y aquí termino con el cine nacional... hay muchos otros datos, pero ya saldrán durante el año y estoy seguro que personalidades como Genaro Saúl Reyes o Fernando Gaona y otros, aportarán sus conocimientos al respecto... Ya viene el cine del mundo.

LO MEJOR Y LO PEOR DEL 2011

EL CINE EN 2011

Por supuesto que no pude ver TODOS los estrenos del año. Asistí a lo que consideré más destacado y cuando el trabajo cotidiano me lo impidió tuve que recurrir al vídeo y, en algunos casos, a la computadora. Alguna vez les comenté en este blog que la vida me ha cambiado. Hay ocasiones en que prefiero irme a la sala “comercial” que a la Cineteca. Las cosas están tan terribles que prefiero el entretenimiento de la superproducción y nuevamente dejo que el Destino me lleve hacia los adorados DVD (y este año descubrí finalmente el Blu-ray y la HD que me deslumbraron). Por esto, los títulos son, en su grandísima mayoría, de cine norteamericano. Hollywood domina siempre.

Así que les paso una lista de lo que considero que fue muy bueno y excepcional en este año, visto por las salas o el DVD. Más adelante, les comparto lo que se distinguió por ser “pésimo”. Claro que nos llegaron cintas de años pasados porque los caminos de la distribución son inescrutables. Lo que no menciono me pareció regular o simplemente bueno. No incluyo a la Cineteca Nuevo León pero hay que dejar claro que la labor de Alejandro Gómez ha sido excepcional y nos ha traído o rescatado muchas maravillas.

Cada cabeza es un mundo. Si coincidimos, qué bueno. Si no, evite molestarse porque finalmente Ud. es dueño de su cerebro y de sus gustos y de sus pasiones, fijaciones y deseos. Eso es lo más importante. Gracias a todos por leer mi blog y espero que continúen haciéndolo durante lo que será el turbulento 2012… y por si se acaba el mundo en diciembre próximo, ¡pues a ver mucho cine!

LAS MEJORES PELÍCULAS
1- La piel que habito – Pedro Almodóvar (2011)
2- El árbol de la vida – Terrence Malick (2011)
3- Medianoche en París – Woody Allen (2011)
4- Más allá de la vida – Clint Eastwood (2010)
5- Damas en guerra – Paul Feig (2011)
6- Beginners: Así se siente el amor –Mike Mills (2010)

7- Nunca me abandones – Mark Romanek (2010)
8- Invierno profundo – Debra Granik (2010)
9- Loco, estúpido amor – John Requa y Glenn Ficarra (2011)
10- Gigantes de acero – Shawn Levy (2011)
11- Destino final 5 – David R. Ellis (2011)
12- El planeta de los simios: (R)evolución – Rupert Wyatt (2011)
13- Ocho segundos antes de morir – Duncan Jones (2011)

14- Sin límites – Neil Burger (2011)
15- Paul: encuentros cercanos con este tipo – Greg Mottola (2011)
16- La noche del demonio – James Wan (2011)
17- Capitán América: El primer vengador – Joe Johnston (2011)
18- Thor – Kenneth Branagh (2011)
19- El avispón verde – Michel Gondry (2011)
20- Conocerás al hombre de tus sueños – Woody Allen (2010)

21- Si la cosa funciona – Woody Allen (2009)
22- Moneyball: rompiendo las reglas – Bennett Miller (2011)
23- Quiero matar a mi jefe – Seth Gordon (2011)
24- Rápidos y furiosos 5 – Justin Lin (2011)
25- La legión del águila – Kevin MacDonald (2011)
26- La cosa del otro mundo – Matthijs Van Heijningen (2011)

LOS BUENOS ESTRENOS MEXICANOS
1- Salvando al soldado Pérez – Beto Gómez (2008)
2- Año bisiesto – Michael Rowe (2009)
3- Miss Bala – Gerardo Naranjo (2010)
4- Verano de Goliat – Nicolás Pereda (2010)
5- Sin memoria – Sebastián Borenzstein (2009)
6- Labios rojos – Rafa Lara (2007)

LAS PEORES PELÍCULAS
1- El anticristo – Lars von Trier (2009)
2- Los agentes del destino – George Nolfi (2011)
3- Jack y Jill – Dennis Dugan (2011)
4- El encanto del erizo – Mona Achache (2009)
5- Pase libre – Peter y Bobby Farrelly (2011)
6- No me robes a mi novio – Luke Greenfield (2011)
7- Transformers: el lado oscuro de la luna – Michael Bay (2011)

LAS MEXICANOTAS INÚTILES
1- Crepúsculo rojo – Carlos González Morantes (2006)
2- Pastorela – Emilio Portes (2009)
3- Ella y el candidato – Roberto Girault (2010)
4- Perras – Guillermo Ríos (2008)
5- Viernes de ánimas: el camino de las flores – Raúl A. Gámez (2009)
6- Tequila: Historia de una pasión – Sergio Sánchez Suárez (2009)
7- La otra familia – Loza (2009)
8- La mitad del mundo – Jaime Ruiz Ibáñez (2008)

LA MEJOR PELÍCULA DEL AÑO

LA PIEL QUE HABITO
2011. Dir. Pedro Almodóvar.

Advertencia: Si no ha visto la película, este artículo revela la trama.

Jean Renoir dijo que los grandes directores hacían la misma película una y otra vez. La piel que habito viene a comprobar la grandeza de Pedro Almodóvar, un realizador singular en la historia del cine que comenzó como provocador escandaloso para ir madurando y continuar llegando a extremos en sus argumentos pero tan bien pensados que deslumbran. Si alguien quiere saber lo que significa la narración cinematográfica (estructura, tiempos, ritmos) simplemente necesita entrar de lleno en el mundo creado por este realizador.

La misma película porque está la obsesión amorosa. Hay personajes que van más allá de lo que se considera “normal”. Tenemos la situación retorcida. El aspecto sexual es básico para disparar las acciones. Los protagonistas pertenecen a clases contrastantes: muy ricos o sin recursos. Las referencias cinematográficas o musicales o pictóricas: arte en general que también va hacia el clasicismo o permanece en un presente posmoderno. También está el sentido de cambio: la evolución de vida porque estos personajes no podrán seguir en iguales condiciones.

Almodóvar es narrativo.

Le gusta ser una Scheherezada de estos tiempos aunque tenemos la desgracia que no nos cuente sus historias noche tras noche: hay que esperar a la siguiente película. Vale la pena perdonarle la vida para que vuelva a descubrirnos otro argumento magnético, atrayente, excitante. En estos tiempos cuando hay quienes utilizan al cine para sus masturbaciones visuales y regodearse con la imagen, olvidando que al espectador se le atrapa gracias a la trama.

Basándose en una novela negra y ácida del francés Thierry Jonquet, Almodóvar nos narra la historia del Dr. Robert Ledgard (Antonio Banderas) quien tiene en cautiverio a Vera (Elena Anaya)

la cual ha sido su conejillo de indias en la creación de una piel sintética y dura. Ledgard depende de su fiel ama de llaves, Marilia (Marisa Paredes).

Cuando llega el hijo fugitivo de Marilia, Zeca (Roberto Álamo),

se da cuenta de que está Vera cuyo rostro es semejante al de la difunta esposa de Ledgard, por lo que somete a su madre y viola a Vera. En este momento llega el médico quien mata al hombre (luego se deshace del cuerpo). Esa noche Vera y Ledgard duermen juntos.

Hay un retroceso en el tiempo para enterarnos de muchas cosas: 1) La esposa de Ledgard escapó con Zeca pero tuvieron un accidente automovilístico donde el auto explotó en llamas: Zeca pudo escapar. Ledgard la rescató, aunque estaba toda quemada, y así comenzó su búsqueda de una piel adecuada para restaurarle su cuerpo. 2) Norma era la hija de Ledgard, con débil personalidad, que fue testigo de la muerte de su madre cuando ésta se dio cuenta de su monstruosidad. 3) Norma fue atacada por un joven en una fiesta y dejada insconsciente. Cuando Ledgard la encontró, la muchacha tuvo un ataque de nervios que incrementó su mal estado mental hasta que se suicidó. 4) Ledgard encontró y secuestró al joven Vicente (Jan Cornet)

para luego realizarle una operación de cambio de sexo, aplicarle su nueva piel sintética, darle los rasgos de su difunta esposa y ponerle el nombre de Vera. Luego de esta noche, el médico permite que Vera salga de compras. Confía en ella

pero en realidad es Vicente quien anhela regresar al lado de su madre. Él había sido reportado como desaparecido aunque la madre nunca perdió esperanzas. Luego de matar a Marilia y a Ledgard, se dirige a la tienda de su madre.

Una trama tan irreal solamente podría ser manejada por alguien con la sensibilidad almodovariana. En otras manos hubiera caído en el tremendismo dejando de lado el melodrama, tan querido y respetado por el realizador. Debido a eso sus películas son tan ricas en detalles de anécdota. Uno puede resumir la larga sinopsis en “un médico secuestra al violador de su hija para efectuarle un cambio de sexo como venganza pero también como redención personal”.

Se esperaría que le efectuara la operación como una venganza extrema en lugar de quitarle simplemente la vida o castrarle. Uno no puede explicarse el motivo de que Ledgard vaya cambiando de sentimiento respecto a su víctima sin considerar su propio ego: la experimentación con la piel creada es una forma de recompensar a su narcisismo: la muerte inesperada de Gala dejó trunco su reto científico. Ahora tiene una forma de comprobarlo. El ultraje a Norma podrá compensarse al penetrar a Vicente, ahora Vera.

Y Vicente ya no es el hombre que abusó de una mujer sino el medio femenino para consumar el amor de su vida que fue Gala, renacida en el cuerpo transexuado, arreglado con una piel insensible, representada por un rostro vuelto a construir. Ya no es el mito de Frankenstein para el científico que se siente Dios; ahora es el científico cuya vida fue destrozada al perder a la mujer que era el amor de su vida: es la ciencia la que le permite recurrir al milagro.

Es la obsesión amorosa que tenía Scotty (James Stewart) por la difunta y rubia Madeleine (Kim Novak) en Vértigo (Hitchcock, 1958) por lo que al encontrar a la pelirroja y vulgar Judy (Kim Novak) quien era la persona real que representó a la primera dentro de un trato criminal, empieza a llevar a cabo una transformación física para resucitar a la muerta. Es la atracción inusitada que el detective Mark (Dana Andrews) sentía por la supuestamente difunta Laura (Gene Tierney) por lo que al saberla viva buscaba la manera de tenerla a su lado, en Laura (Otto Preminger, 1944). Es la fantasía masturbatoria de Archibaldo de la Cruz (Ernesto Alonso) al quemar el maniquí de Lavinia (Miroslava) con sus ropas en Ensayo de un crimen (Buñuel, 1955).

Estamos en el polo opuesto a una de las referencias que más se han comentado por los críticos serios de esta película con Los ojos sin cara (Les yeux sans visage, Franju, 1960) pero que el mismo Almodóvar ha negado. En esta cinta el científico protagonista secuestraba jovencitas para extirparles la piel facial e implantarla sobre el rostro desfigurado de su hija. No es la ciencia en sí misma ni el cuento de horror. Es lo que Almodóvar ha demostrado a lo largo de su carrera porque el amor es el motor de todas las acciones y hechos. Acuérdese de las cintas de Almodóvar y dígame si no es cierto. Por eso, Ledgard mira en pantalla gigante a Vera (su nueva Gala) en posiciones que recuerdan a las Venus de Tiziano y Velázquez

que adornan de manera también gigantesca sus paredes: el voyeurismo o, simplemente, el objeto amoroso que todavía se mira lejano, virtual, inalcanzable hasta que llegue el momento de cruzar los cuerpos.

Cuando Ledgard besa y penetra a Vera ha logrado recuperar a la mujer que le fue infiel, sufrió y murió (aunque nosotros como espectadores no dejamos de lado el hecho de que está copulando con un hombre para comprender su delirio más allá de límites, moral, "normalidades"). Es el romanticismo llevado a extremos impensados sin caer en la ridiculez y dentro de este mundo posmoderno donde los cuentos de Scheherezada necesitan matices para un mundo que ya no es sencillo ni vive en la fantasía e inocencia del pasado.

Hay tanto que decir (las actuaciones soberbias de un Banderas indiferente, una Anaya equilibrada, una Paredes vivísima; la fotografía impecable y la música adecuadísima; los homenajes a Louis Bourget; el Toledo 2012 anticipado...) pero eso ya le corresponderá a cada uno de los espectadores. Obra maestra. Junto con "El árbol de la vida" estamos ante la mejor película del año que se nos escapa de las manos como arena entre los dedos...

Nota: Otro caso sería el personaje de Vicente, ahora Vera, porque su transformación ha sido radical. Da lugar a uno de los finales más tristes (y más justos si consideramos que es una especie de castigo a su estupidez) en la historia del cine al decirle a su madre "Soy Vicente" , antes del oscurecimiento de pantalla que da camino a los créditos...

DIABLO PANZÓN

PASTORELA
2009. Dir. Emilio Portes.

Chucho (Joaquín Cosío) es un agente judicial que siempre ha interpretado al Diablo en la pastorela de su iglesia. La muerte del sacerdote titular trae consigo el nombramiento de un nuevo párroco, Edmundo (Carlos Cobos), que hace cambios radicales: ahora será un compadre del judicial, Bulmaro (Eduardo España), quien personifique al ser infernal lo que produce un desequilibrio en las tradiciones de la comunidad. Una confusión hace que Bulmaro sea considerado como el asesino de un subprocurador, lo que lleva a que sean encarcelados muchas personas vestidas como diablos, y un exorcismo no terminado de Edmundo, hace que el demonio que poseía a su víctima (un desaprovechado Héctor Jiménez) quede suelto para llegar a un final excesivo.

El segundo largometraje de Emilio Portes (Conozca la cabeza de Juan Pérez, 2004) quiere ser transgresor en una época cuando los límites de honestidad y moralidad, y todo aquello que podría ser atacado, han sido rebasados hasta el cansancio (y el público que se escandalizaría no va a ver este tipo de películas: ellos ven El gran milagro). Tiene el mismo defecto que su ópera prima: la comicidad deriva de verborrea y palabrotas más que de situaciones y sugerencias. Los personajes son estereotipados: la monja que fornica con el sacerdote, fuma y es tan corrupta como los personajes que representan a la iglesia; los judiciales que torturan a sus víctimas mientras hablan de otros asuntos. Lo que se presenta como novedoso es la repetición de las mismas fórmulas en esfuerzos que terminan yendo contra sí mismos con el afán de conseguir la atención de un público que ya no ve cine mexicano. Uno ya no cree en este tipo de denuncia social por medio del cine, ni siquiera a través de la comicidad.

El reparto tiene a varios de los actores probados en teatro (y otras películas) que, por desgracia, han caído en el estereotipo, pero ya sin el carisma ni el misterio del sistema estelar de antaño cuando se aceptaba en verdaderas personalidades. Joaquín Cosio es el eterno violento; Ana Serradilla es la puta constante; Carlos Cobos y Eduardo España son los pequeños seres con voces chillonas.

Pastorela es otro de los grandísimo fracasos del cine nacional estrenado en 2011 y otro énfasis en realizadores que "hacen" cine en lugar de "vivir" y "amar" al cine como este Emilio Portes, bisnieto del expresidente Emilio Portes Gil (quien en su tiempo confesó públicamente ser creyente: ahora llega su "irreverente" descendiente). Se equipara con Tequila (Sánchez Suárez, 2010) al ser producciones millonarias que desean recuperar géneros cuando el tiempo y la distancia (además de Hollywood) los han destrozado para los nuevos espectadores. Tenemos una cinematografía desechable (salvo honrosas, humildes y menos pretenciosas producciones): úsese y tírese, no hay mayor valor ni trascendencia.

FAMILIAS DE ARTISTAS

VÍCTOR MANUEL “GÜERO” CASTRO
(1924 – 2011)

El reciente fallecimiento del “Güero” Castro pone en evidencia y nos recuerda lo que eran las dinastías artísticas de antaño (independientemente del tipo de arte que se desee: en este caso, me refiero a lo popular) que iniciaban por la compañía de opereta y zarzuela, la carpa, el teatro "serio" o de revista, para luego ir, si acaso, posicionándose en el cabaret, la radio o el cine. Padres a hijos que se heredaban una forma de vivir porque se sentían atraídos a la profesión familiar y, si tenían el talento (o la gracia; y en muchos casos, como sucede actualmente, el padrino, la madrina o el azar), ser extensión natural de ellos. El caso más evidente es el de los Soler con calidad uniforme y el teatro prestigioso como base común.

Eduardo Arozamena (1877 – 1951) conocido como “El nanche”

fue cantante y se distinguió como barítono. Apareció en el incipiente cine mexicano silente en la película La soñadora (que codirigió con Enrique Rosas en 1917) y aparte de estar en los escenarios teatrales viajó a Hollywood donde participó en, por ejemplo, la versión hispana de Drácula (Melford, 1931)

interpretando el rol del profesor Van Helsing. De vuelta a México, inició una larga carrera con roles secundarios en el cine mexicano hasta el año de su muerte. Don Eduardo se casó con la tiple Clemencia Sánchez, con la cual tuvo seis hijos, todos dedicados al arte de alguna u otra forma: entre ellos a Juan (autor de “Las chiapanecas”), Lupe (actriz y bailarina) y Amparo, la menor (distinguida como versátil actriz, aunque más encaminada hacia la comedia).

Manuel Castro Padilla (1890 – 1940) fue compositor. Según la "Enciclopedia de México" estudió con maestros particulares y en 1918 tuvo gran éxito con la revista musical “La tierra de los volcanes” para Roberto Soto, apodado “El panzón” (y padre del futuro cómico “Mantequilla”). Casó con la bailarina Guadalupe Arozamena (1904 – 1997) a la cual abandonó cuando estaba embarazada del que sería su único hijo, aunque con el paso del tiempo se reconciliaron y el niño volvió a su lado. Castro Padilla fue todo un personaje que, según narra el maestro Silvino Jaramillo, usaba fragmentos de obras clásicas en sus arreglos. Organizó un festejo en conmemoración del centenario de la consumación de la independencia y fue el responsable de los fondos musicales de películas como El compadre Mendoza , Sor Juana Inés de la Cruz o Águila o sol, entre otras. En 1940 fue asesinado porque “ofendió” a unos líderes sindicales en una de sus revistas musicales paródicas.

Víctor Manuel “Güero” Castro

fue ese hijo de Manuel y Guadalupe. Tenía apenas dieciséis años cuando muere su padre por lo que dejó sus planes de estudiar una carrera. Entró, entonces, a trabajar para el sostenimiento de su familia. Fue bailarín (se le puede ver como comparsa en algunas de las películas con Rosa Carmina, Meche Barba o Ninón Sevilla) hasta que comenzó a tener participaciones pequeñas en algunas películas. Mientras tanto, era el teatro y la televisión (sobre todo; lo recuerdo en muchos programas cómicos de antaño) donde se encontraba con más facilidad. Fue cuando inició su carrera como escritor o guionista. En teatro sobresalió por obras picarescas y audaces para su tiempo y fue precisamente Las ficheras que pasó al cine como Bellas de noche (Delgado, 1974 para crear un subgénero derivado del cine de cabaret y perdición propiciado por Cinematográfica Calderón desde los años cuarenta.

Su “trancazo comercial” como director fue con La pulquería (1980)

exitosísima variante que se conoció como “sexycomedia” con elementos fantásticos (el diablo llegaba a la tierra para que un suicida potencial le enseñara el significado del amor a cambio de curarle la impotencia sexual) sin dejar de lado albures, palabrotas y desnudos femeninos. A partir de ahí vinieron secuelas, otros éxitos, hasta que el género (con el cine mexicano total) cayó en la decadencia. Ya no era el cabaret con sus muchachas sino diversificaciones: Macho que ladra no muerde, El mofles, Los plomeros, Dos camioneros con suerte. En 1991 intentó una cinta “seria” (repitiendo el argumento de los melodramas Noche de ronda, Cortázar, 1942 y La mesera del café del puerto, Orol, 1954) llamada Noches de ronda (Bolero) cuando el cine nacional ya no tenía remedio. Una gran curiosidad que debe destacarse es que la cinta con la cual debutó: Sexo contra sexo (1980) ha sido el último título en la filmografía de ¡Sara García!

Hasta 2007 no dejó de escribir, producir y dirigir “videohomes” que seguían la corriente del albur, el chiste con doble sentido, los desnudos femeninos y repartos con tanta estrella que apoyó y llevó a la fama: Alberto Rojas, Rafael Inclán, Alfonso Zayas entre tantos. El “Güero” Castro será objeto de valorización dentro de la picardía mexicana dentro de la cultura popular del siglo XX. Su trabajo como actor fuera de este género (películas con Clavillazo, Tin Tan, Piporro, aunque en roles pequeños) es harina de otro costal: los actores secundarios nacionales. El tiempo cambia todo con la nostalgia. Lo que fue vulgar en un momento se ha tornado entrañable: sucedió con Tin Tan y Resortes, por ejemplo (o la música grupera y las canciones de arrabal que traspasaron barreras sociales). Es cuestión de generaciones y de pasiones particulares. Para seguir con el tema inicial de este pequeño ensayo, dos hijas de Castro se casaron con sendos cómicos emblemáticos de cierta época: Manuel “Flaco” Ibáñez y César Bono, intérpretes de muchas películas dirigidas por Castro. La mata sigue dando frutos aunque su valor será analizado por alguien allá en las postrimerías del siglo en que vivimos (si todavía existe alguien a quien le interese). Descanse en paz.


-Muy bien diablo ¿y entonces por qué te me apareciste?
-Porque ibas a cometer la estupidez de suicidarte y hay algo que quiero saber.
-Se supone que el Diablo sabe todo
-Sí, casi todo, pero hay algo de los mortales que no entiendo…
-A mí se me hace que eres un diablo medio pendejo…
-Pendejo, pendejo, pero no me ando suicidando…

Diálogo entre Gerardo (Jorge Rivero) y el Diablo (Alfonso Zayas) en La pulquería (Víctor Manuel Castro, 1980).

SABROSA DISFUNCIÓN

LABIOS ROJOS
2007. Dir. Rafa Lara.

Ricardo (Jorge Salinas) recuerda el momento en que se volvió “hombre” al descubrir la masturbación. Posteriormente, pasó de la fantasía manual a la realidad corporal con varias mujeres hasta que encontró a Blanca (Silvia Navarro) con sus fetichistas labios rojos a la cual desposó. Los hijos, el trabajo y los compromisos naturales hicieron que el romanticismo se fuera volando. Luego, al ser llamado a otra agencia publicitaria (era productor creativo) mejoró su situación económica pero se incrementó su carga laboral, encontró un jefe exigente, clientes insoportables y comenzó con problemas de disfunción eréctil y el cansancio de tener relaciones sexuales.

El argumento sigue entre las sospechas de Blanca por una supuesta infidelidad del marido y las tentaciones y sugerencias que recibe Ricardo por parte de amigos y compañeras de trabajo.

Lo que podría ser una comedia vulgar, plena de estereotipos y lugares comunes (como las cintas de Sariñana, por ejemplo) se convierte en una película con excelente ritmo y buenísima factura. La picardía no ocurre por chistes que no estallan porque son pólvora remojada (al estilo de No eres tú, soy yo de Springall –una lástima-) sino en sugerencias y actitudes. Los hechos son consecuencia de equivocaciones inoportunas y algunas secuencias que en otras manos habrían sido pretenciosos remedos de acción (como Seres: génesis de Ángel Mario Hueco) o sugerencias eróticas desperdiciadas (como Cansada de besar sapos de Jorge Colón), aquí tienen una extraordinaria solvencia narrativa: la persecución en el periférico, las compras en la “sex shop” o los fallidos intentos de Blanca por recuperar a su amado ya sea con cremas o falsos brujos.

Jorge Salinas, usualmente de pesadita presencia (aquí tiene, además, cierto sobrepeso físico aunque no se nota tan acabado como en la telenovela en que actualmente se presenta), se encuentra contenido. Silvia Navarro, mismo caso de actriz antipática, no se va a sus extremos telenovelescos usuales (“Cabeza de Buda”). Fernando Luján, como un exigente español que vive usando el verbo “cagar” para denotar su nacionalidad, demuestra que su talento siempre estuvo presente y los años lo cimentaron.

Estos invaluables logros de equilibrio actoral se deben indudablemente a la buena mano del director Rafa Lara

quien ha sido en extremo inteligente para seguir una carrera discreta pero efectiva (La milagrosa se exhibió hace unos meses, tenía producción colombiana y distribución internacional) y es otro caso inusual como Jesús-Mario Lozano, Nicolás Pereda o Gerardo Naranjo, dentro de los escasos directores del neocine mexicano que valen la pena admirar y esperar sus películas porque, al menos, tendrán algo que decir sin caer en la aspiración o la copia de Hollywood. Labios rojos nos llega cuatro años después de ser filmada pero no afecta a su propuesta temática.

Comentada por ignorantes del cine mexicano y despreciada como un producto de “lugares comunes” que quedan demostrados, irónicamente, en sus propios escritos, la película es un respiro de aire fresco entre tanta mala producción nacional que nos ha invadido en los últimos meses tipo Tequila, Crepúsculo rojo y tantos etcéteras. No la deje morir y alcáncela en las salas de cine, todavía.