TRES NOMINADAS

CABALLO DE GUERRA
(War Horse)
2011. Dir. Steven Spielberg.

LOS DESCENDIENTES
(The Descendants)
2011. Dir. Alexander Payne.

EL ARTISTA
(L’artiste)
2011, Michael Hazanavicius


Dentro del grupo de cintas nominadas al Óscar tenemos dos propuestas excepcionales realizadas por directores cuya trayectoria es impecable (aunque hayan tenido algunos fallos en el camino). Steven Spielberg

ya es una leyenda: 40 años de brindar la imagen idealizada de la realidad norteamericana ya sea a través del abuso (“El color púrpura”), el miedo a la intrusión externa (“La terminal”, “La guerra de los mundos”), la fantasía extrema (“E.T. El extraterrestre”), la aventura insospechada (“Cazadores del arca perdida”, “Las aventuras de Tin Tin”, “El imperio del sol”) o la saga del heroísmo contra todo obstáculo que llega a preservar la vida (“Caballo de guerra”), entre muchos títulos.

Alexander Payne

habla de emociones y sentimientos basados en las irregularidades de la justicia y el deber ser: “La venganza” (un maestro contra la hipócrita alumna brillante); las búsquedas del sentido de la vida y la identidad propia (“A propósito de Schmidt”, “Entre copas”) o la elección entre permitir el bien común del planeta o el goce egocéntrico normado por amor o ceguera (“Los descendientes”).

“Caballo de guerra” es la historia de un caballo y su aventura de vida: nacido para otros fines y menesteres por ser un animal fino, el destino lo lleva a integrarse a la guerra. Es arrebatado de las manos del joven Albert (Jeremy Irvine) por una subasta que salvará la granja del padre, por una deuda, y su participación debida al inicio de la primera conflagración mundial.

Albert promete a Joey, el caballo, reencontrarse algún día y sabemos, como espectadores, que es una promesa que llegará a cumplirse. La cinta narra las aventuras que vive el caballo al pasar de mano en mano: cada nuevo dueño o benefactor es la representación simbólica de los elementos de la guerra: el enemigo sin escrúpulos, el militar con honor, la joven víctima que ha quedado huérfana, los enemigos de cada bando que se dan una tregua porque finalmente son seres humanos separados por la invisible línea de la frontera. Como espectadores somos testigos de la crueldad de la guerra, de la esperanza de armonía y de la bondad del destino. La familia como base de la sociedad (sin caer en estereotipos ni demagogia ni discriminaciones). La cinta conmueve: un listón de valor humano; una conversación entre soldados enemigos que se despiden y ofrecen sus espacios de vida cuando ésta sea pacífica. 2011 fue el gran año de Spielberg ya que “Las aventuras de Tin Tin” fue un homenaje indirecto al cine y esta película fue otra inmersión en la esencia del cine que fabrica sueños y produce emociones diversas en el espectador.

“Los descendientes” inicia con una tragedia: la esposa del abogado Matt (George Clooney en uno de sus más grandes logros actorales)

está en coma luego de haber sufrido un accidente. Matt es descendiente de una importante familia mestiza de Hawai donde vive; ha decidido junto con sus primos, deshacerse de un terreno inmenso que se convertirá en desarrollo urbano y turístico. Tiene una hija adolescente, rebelde; otra hija pequeña que va desarrollándose sin límites. Matt descubre que su mujer le era infiel. Decide buscar al amante junto con su hija. Esto le dará otra perspectiva de vida. La cinta nos muestra un cambio de actitud. El egocéntrico Matt podrá reflexionar sobre el valor de la familia. Los antepasados lucharon por proveer de bienes y bienestar a sus descendientes. Ellos, ahora, luego de más de cien años, quieren despojarse de lo que es una gran fortuna en metálico: una mina de oro en tierra que todavía preserva la grandeza de la Naturaleza y el pasado. Matt compara, sin imaginarlo, esa realidad que lo rodea junto con sus hijas que están también siendo despojadas de lo que permite un símbolo de unión, pasado, preservación de la tierra como aporte ecológico individual. Una tragedia da lugar a una reflexión trascendente en tiempo y espacio. La familia importa porque indica cohesión, trabajo común, intercambio de sentimientos: sobre todo, amor.

Les comenté en otro escrito sobre la trivialidad de “La invención de Hugo Cabret”, misma que comparte con “El artista” donde la anécdota de un actor del cine mudo que pierde su fama y posición al llegar el sonido, se convierte en mero ejercicio de estilo: filmar una película muda (y en blanco y negro) en pleno siglo XXI como recuperación del pasado para valorar el presente pero que se queda en ilustración de un melodrama estereotipado con final feliz que quizás convence al público adulto o más conocedor.

Un espectador joven no queda tan satisfecho y no asiste a verla. Insisto en la trivialización: darle importancia a algo insubstancial. Esa recuperación del pasado es más efectiva en “Medianoche en París” (2011, Woody Allen) porque reniega de la nostalgia como pérdida del tiempo, ya que es irrecuperable el ayer. Lo mejor de esta película es un perro maravilloso y gracioso (aparte de heróico en la cinta) que puede equipararse en otro sentido al que aparece en “Beginners: así se siente el amor” (2011, Mike Mills).

EL RACISMO TRIVIAL

HISTORIAS CRUZADAS
(The Help)
2011. Dir. Tate Taylor.

Basada en una exitosa novela, la película narra ciertos hechos que suceden en una ciudad sureña a principios de los años sesenta cuando Kennedy es presidente y Luther King está planeando su marcha por los derechos civiles. El retorno de Eugenia, llamada Skeeter (Emma Stone)

luego de haber estado en la universidad, dará lugar a pequeñas situaciones que vendrán a demostrar los abusos racistas, la permanencia de los prejuicios entre blancos y negros, impensables en un siglo XX moderno, en el país más rico del mundo.

Skeeter quiere ser escritora. Su editora la impele a que busque un tema que tenga trascendencia si es que quiere publicar un libro. Ella nunca ha sido radical en su forma de pensar ni irrespetuosa contra sus sirvientes negros. Las actitudes y acciones de sus amigas de la infancia, ahora vistas desde otra perspectiva, además de la falta de la nana que la crió, y quien había aparentemente renunciado mientras ella estaba fuera de casa, le da la idea de entrevistar a las sirvientas del pueblo para conocer sus impresiones sobre las personas con las cuales han trabajado en el tiempo. Busca primero el apoyo de Aibeleen (Viola Davis, contenida)

quien será la que detone el interés de otras mujeres, sobre todo luego de varias injusticias recientes.

La cinta es narrada por Aibeleen, aunque la trama se dirige hacia diversos personajes entre las señoras, otra sirvienta llamada Minny (Octavia Spencer, graciosa)

y la propia vida familiar de Skeeter. Los mundos de blancos (caprichosos, prepotentes, con ciertas excepciones) y negros (su vecindario, iglesia, circunstancias) se muestran en ciertos aspectos para mostrar el contraste.

Y esa es la base argumental de una empresa peligrosa (la venganza del blanco, impune y soberbio, era extrema: los negros eran ciudadanos de ínfima clase)que vuelve todo superficial (la casa de Aibeleen es amplia, con comodidades, algo que en la realidad era imposible, por ejemplo). La cinta es muy entretenida y el reparto está conformado por varias de las mejores actrices que tiene el Hollywood contemporáneo. Sin embargo, todo ha sido trivializado y no hay ninguna aportación distinta, ni tampoco una confrontación. El secreto de Minny sobre la convencional y temible villana racista Hilly (Bryce Dallas Howard) es una broma privada que debe mantenerse así para evitar su desprestigio y muestra vulnerabilidad. Todo es inofensivo y se satisfacen las fantasías del espectador para que las villanas paguen lo que deben y las actitudes de algunos personajes cambien. Es el cine que le gusta a los Óscares: simple, sin complicaciones y con finales rosas. El realizador Taylor

realizó su segundo largometraje con mucho presupuesto y gran colmillo sobre los elementos que logran el alcance del público, aunque se perdió en el estilo de algo que no tenía mayores aspiraciones ni conflictos: la novela se lee de tirón, algo que animaba a que fuera filmada.

TENEMOS QUE HABLAR DE HUGO

TENEMOS QUE HABLAR DE KEVIN
(We Need to Talk About Kevin)
2011. Dir. Lynne Ramsay.

LA INVENCIÓN DE HUGO CABRET
(Hugo)
2011. Dir.Martin Scorsese.

Kevin es un sociópata. Desde niño ha demostrado ambigüedad emocional hacia su madre. Tal parece que se odian. No habla, no aprende a controlar sus necesidades fisiológicas. Su atención se deriva al padre y la actitud hacia la madre es desafiante.Cuando es un bebé de brazos no cesa de llorar mientras lo carga Eva (Tilda Swinton, tan inigualable como siempre). Cuando es niño mayor, la madre lo avienta contra una pared y le rompe el brazo, algo que Kevin acepta. Ya adolescente comienza el desprecio, la crueldad y el crimen.

“Tenemos que hablar de Kevin” es la historia del amor maternal sin condiciones ni fronteras. Nos sumergimos en los recuerdos de Eva desde que era joven y aventurera: las primeras imágenes nos la muestran participando en alguna extraña celebración europea donde la gente se baña con jugos rojos y ese color permanecerá a lo largo de la película como extremo, provocador, denotando inquietud: eso que provoca dicho color. La cinta se irá narrando fragmentariamente: no es una cinta lineal y lo que está pasando cambiará de circunstancias: Eva es empleada en una agencia de viajes; de pronto, como en un sueño o deseo interno, es escritora de libros de viaje. El marido la lleva a vivir a su nueva casa: una mansión infinita pero luego vemos que no es tan grande como parecía. Son los recuerdos que se agigantan o disminuyen con la memoria: son los deseos que nos fabrican momentos imaginarios.

Kevin es calculador. Ante el buen deseo de su madre para platicar sobre lo cotidiano, empieza a predecirle el rumbo de la conversación, dándole a entender que todo es fútil. No necesita hacer nada que cualquier madre realiza con un hijo normal. Kevin se sabe diferente y se anticipa a las cosas. Se masturba en el baño y cuando la madre lo sorprende sigue retador con su acción. Desde pequeño, mientras platica con la madre sobre algo que no le parece, va rompiendo sus colores de cera por la mitad, como algo natural. Eva, de pronto, le grita que ella podría estar en otro lugar, en ese momento, si no existiera.

La película no muestra la violencia directamente: la sugiere, da pistas sobre las consecuencias. Kevin ha encerrado a varios alumnos en un gimnasio y les ha disparado flechas ya que desde pequeño ha sido excelente arquero. Luego se ha entregado pacíficamente: tiene 16 años, no lo juzgarán como adultos. Su hermanita pierde un ojo accidentalmente debido a un líquido corrosivo que “nadie” dejó en sus manos. La desaparición del roedor mascota se intuye cuando el triturador de la cocina se tapa, ante el horror de la madre quien mira, luego lava sus manos enrojecidas.

Eva va a visitar a Kevin a la cárcel. No hay explicación. Fue “algo” motivado por “algo” de lo que ya no se acuerda. La madre tiene que abrazarlo porque al final de cuentas es su hijo. La habitación original, con mismos colores y cama junto a la ventana con persianas, se reproduce en la casucha donde ahora Eva vive sola porque ya no están marido, hijo e hija.

Con una banda sonora muy bien seleccionada: las canciones subrayan lo que está sucediendo aunque de manera irónica. Un reparto extraordinario porque los niños y el adolescente que interpretan a Kevin quedan en el deseo interno del espectador como seres odiosos que merecen golpizas y hasta la muerte misma.

Tilda Swinton, coproductora de la película, supo adquirir un rol adecuado para ella y su personalidad. Un acierto la cooperación entre Lynne Ramsay la directora y la impactante Swinton.

La génesis de un individuo socialmente inaceptable. No se explica el motivo de que una familia amorosa produzca este tipo de seres. No hay distinción del bien ni del mal: todo es indiferente. No hay emociones. La película bien puede tomarse como una imagen del deterioro social, la entropía natural. Igualmente es un retrato de los anhelos frustrados: un clavado en el subconsciente de una mujer que fue víctima de la vida.

Ese color rojo de jugo de frutas, de sangre derramada, de pintura lanzada contra una fachada, de sangre de mascota triturada, del vino no disfrutado, de sangre de jóvenes adolescentes flechados por la muerte, del padre, la niña, permanece constante en el alma desgarrada de un espectador que no imaginaba la obra desgarradora que confunde, que emociona, que le habla sobre lo cotidiano aunque sea sin ese color rojo directo.

Hugo es un niño que vive en la estación de trenes en París donde da cuerda a los inmensos relojes mecánicos. Fue a dar a ese lugar cuando quedó huérfano y su padre le dejó con un muñeco descompuesto, de cuerda, y sin terminar un mensaje que quiere encontrar. Ese “automatón” será el camino que lo lleve a conectarse con un viejo cascarrabias al que descubre ser un amargado genio del cine, olvidado por todos, pensado muerto.

Es decepcionante “La invención de Hugo Cabret”. Duele decirlo. El maestro Scorsese, admirable en otras ocasiones, ha filmado una de sus cintas menores. Llega un momento en que su búsqueda del mensaje trascendente de su padre se convierte en el logro de un padre artista como sustituto. Hay toda una intriga que copia los trucos narrativos de toda cinta épica que se respete y que termina aburriendo. No posee el sentido de aventura y curiosidad que despiertan Las aventuras de Tin Tin del maestro Spielberg. La trama se desvía en los problemas personales de otros personajes: un guardia de estación tan gris e insoportable como el actor que lo interpreta (Sasha Baron Coen) que no se decide a hablarle a la florista que ama, o una pareja madura que muestra su amor a través de unos perritos.

Se extraña la mano maestra que nos dio La isla siniestra o, si prefieren de época, La edad de la inocencia. Martin Scorsese es un gran conocedor del cine y lo ha demostrado con creces (en la película sale esporádicamente como fotógrafo).

Su labor como patrono para la preservación de joyas del cine es innegable. Por eso duele que este homenaje a Meliés (su 150° aniversario de nacimiento se celebró en diciembre del año pasado) se quede en una trama débil, diluida, difuminada y disparada hacia tantos sitios que no tenga la altura que merecía recordar al cine pionero.

Se comprende el entusiasmo de varios jóvenes espectadores que se dejan llevar por las imágenes de Meliés que quizás van descubriendo por primera vez o que jamás han disfrutado en otra extensión: uno de los magos del cine al imaginar formas de narrar en tiempos primitivos que no alcanzan a ser representados con la magia debida. Los pequeños insertos de imágenes de los Lumiére, del Gran asalto al tren, de William S. Hart o Douglas Fairbanks no son suficientes, ni siquiera esa secuencia colorizada con lo más espectacular de Meliés. A esos espectadores les recomiendo su propia excavación arqueológica en cuestiones de cine...

Técnicamente la cinta es impecable. Hay todo un gran cuidado en el uso de la tercera dimensión y aprovechó la lección de Spielberg al darle mayor brillantez a su imagen porque no se pierde en las opacidades de este truco visual. No es una película que avergüence a nadie y Scorsese es un gran director. No obstante queda disminuida en una carrera esplendorosa e impactante. Lo más triste es mencionar la palabra “aburrimiento” en una cinta de este realizador.

EL SUPLICIO DE UNA MADRE

MILDRED PIERCE
Dirigida por Todd Haynes.
Miniserie HBO, 2011.

Basada en la novela de James M. Cain, autor de El cartero siempre llama dos veces y Doble indemnización, entre otros títulos, que dio lugar a una versión cinematográfica en 1945, producida por la Warner Bros. para ganarse varias nominaciones a los Óscares (y darle a Joan Crawford el único de su carrera), esta miniserie en cinco partes con una duración cercana a las seis horas, fue adaptada por su director Todd Haynes para recuperar la fidelidad a la trama original, imposible de pensar en los años cuarenta por los códigos morales establecidos por esos tiempos.

Mildred Pierce (Kate Winslet)

se divorcia y debe mantener a sus dos hijas, Veda y Ray, primero como mesera y luego como empresaria de sus propios restaurantes. Ray muere por una rara enfermedad. Veda es una jovencita ambiciosa y altanera quien, al crecer (Evan Rachel Wood), se da cuenta que no tiene talento para ejecutar música pero descubre su potencial como cantante de ópera. Al descubrir Mildred que quiere chantajear a un joven rico haciéndole creer que está embarazada, se enoja y la corre de casa. Mildred reencuentra a un rico en desgracia que había sido su amante (Guy Pearce) y lo desposa. Éste procura la reconciliación entre la cantante Veda y su madre. Cuando sus negocios sufren un revés económico, Mildred va a buscar a Veda para pedirle que le preste dinero pero la encuentra en la cama con su padrastro. La ataca, casi estrangulándola, pero el hombre evita que llegue a matarla. Pasa el tiempo, Veda está en recuperación porque su voz se ha dañado; Mildred se ha divorciado y vuelto a casar con el padre de sus hijas. Veda regresa a pedirle perdón pero deja al descubierto que su enfermedad fue mentira para lograr un jugoso contrato que la llevará a Nueva York donde la espera su ex padrastro y ahora amante. Mildred se da cuenta de su perversión y la despide diciéndole que se vaya para siempre. Mildred y su esposo deciden que se vaya al diablo, aunque ella duda.

¿Por qué filma Todd Haynes

esta novela en 2010?

Encuentra similitud entre los tiempos de la Gran Depresión económica (la acción inicia en 1931, en Glendale, California) y los años de los problemas con bancos, intereses, falta de pagos de vivienda, en los Estados Unidos casi al terminar la primera década de nuestro siglo. Las ambiciones materiales y el consumismo se han disparado aunque no haya dinero para pagar, como sucedía en esa etapa del siglo veinte. Por otro lado, la película de la Warner Bros. había hecho una labor endemoniada para mantener la atmósfera de la novela sin poder adaptarla fielmente por razones morales. Era necesaria, entonces, una versión fiel, adecuada al lenguaje y a los tiempos de la narración literaria.

La película de la Warner Bros., titulada en español como “El suplicio de una madre”

no podía mostrar la perversión de Veda. La cinta inicia con el asesinato del interesado padrastro, Monty (Zachary Scott), cuyas últimas palabras se refieren a Mildred (Joan Crawford). La policía la detiene y comienza a narrar en retroceso su historia. Todo sigue casi igual a la sinopsis referida previamente, excepto que Veda (Ann Blyth) se casa con el joven rico que la embaraza aparentemente para chantajearlo.

Luego de que es corrida de casa por su madre, pasa a ser cantante de cabaretuchos donde la reencuentra Mildred quien accede a casarse con Monty para tener la clase de su apellido. Veda empieza a coquetear con Monty lo que lleva a una decepción. Veda es quien realmente dispara sobre Monty y Mildred toma la culpa aunque finalmente se descubre la verdad.

Haynes presenta a Veda (la actriz Wood está extraordinaria)

con toda su maldad y crueldad. Desde pequeña reta a Mildred fumando un cigarrillo y maldiciéndola: la madre le abofetea para arrepentirse posteriormente. La furia de Mildred cuando se entera del engaño y chantaje hacia el joven rico que la adoraba se disuelve luego de unos momentos pero Veda ya ha decidido irse de casa. El descubrimiento de la relación casi incestuosa entre el padrastro e hijastra ocurre en el momento pensado por Veda para que ocurra la agresión de su madre y utilizarla dentro de sus planes calculados. Veda viene a ser la gran creación del escritor Cain en un momento cuando había que tener mucha inventiva para decir lo que se deseaba sin expresarlo directamente. Una víbora, es como la describe su maestro de canto. Luego de que la encuentra Mildred, sus movimientos para tomar un cigarrillo, salir de la cama sin ropa en su cuerpo y moverse suavemente, para adoptar una posición perfecta, con un pie de punta y el otro perpendicular, viéndose al espejo, mostrando su triunfo ante la madre que ya no puede más por lo que reacciona. Mildred ha quedado estupefacta, sin moverse, viendo al hombre y a la hija que muestran una desfachatez ilimitada. No obstante, todavía llega esa revelación final: todo ha sido organizado para lograr sus fines: ganar un jugoso contrato y, como añadido extra, quedarse con el hombre de apellido aunque sin cualidades.

No hay castigo para la malvada. La novela muestra una revuelta moral. Hay todo un camino circular: Mildred se divorcia de su marido quien le es infiel con una mujer casada, aunque separada en la distancia de su propio marido, y queda al cuidado de sus hijas para terminar vuelta a casar con el mismo hombre luego de haber vivido aventuras que la fueron normando. Mildred estaba en la pobreza y ha vuelto a una situación poco mejor que la previa. Ha tenido relaciones sexuales con un ex colega de su marido quien le ayuda en su empresa; luego ha estado con un hombre rico venido a menos para finalmente volver a los brazos de un marido que fue abandonado por su amante.

Mildred Pierce muestra dos retratos femeninos excepcionales: la mujer que pudo salir adelante gracias al amor por su familia: esa clase de amor sin precio ni límites; la mujer sin sentimientos (lo que ahora catalogamos como “sociópata”) que no valora más que su propio beneficio y desea colmar su ambición. Son dos modelos bastante apreciados y conocidos en este siglo veintiuno aunque la cabeza de un genio los ideó desde el anterior y la sensibilidad de otro creador los aterrizó para los ojos contemporáneos.

Se puede conseguir en Blu-ray nacional (la edición norteamericana trae tanto el DVD como el Blu-ray con comentarios y extras); seguramente se repetirá en algún momento por HBO, su casa productora; a pesar de que le haya contado la trama, nunca igualará a la emoción, el descubrimiento, el goce de disfrutar actuaciones de primera, atmósfera perfectamente recreada y conceptos que van conmoviéndonos desde la mirada.

RETRATO DE UN MONSTRUO

J. EDGAR
2011. Dir. Clint Eastwood.

J. Edgar o el retrato de un monstruo. La película nos lleva a sus inicios, a su delirio de persecución, a su egocentrismo, su discriminación hacia todo lo que pareciera “antiamericano”, su homosexualidad reprimida y abierta, sus míticos archivos confidenciales y privados. Desde Calvin Coolidge en 1924 hasta Richard Nixon en 1972 fue jefe del FBI que impulsó a fundar y fortalecer con el tiempo.

J. Edgar Hoover fue temido por las grandes personalidades políticas de su tiempo porque los tenía en sus manos según les contaba y amenazaba. Un hombre que abominaba de la homosexualidad y gustaba de vestirse como mujer. Un niño de mamá que era su motor pero también su limitante. No podía ser una “florecita” porque para la madre era preferible tener un hijo muerto que un hijo maricón.

J. Edgar Hoover, el gran mentiroso que narraba sus hazañas cuando no había estado presente en ellas. El gran verdugo porque llevó a la muerte al supuesto secuestrador del hijo del aviador Charles Lindbergh aun con muchas dudas sobre su culpabilidad. El terrible sádico que sentía placer ayudando al malhadado senador McCarthy en la cacería de comunistas cuando la guerra fría. El que rehusaba aceptar mujeres, negros y homosexuales en las filas de su poderosa FBI.

El maestro Eastwood ha logrado una de sus cintas más secas y frías porque era el único tono que merecía un personaje de esta naturaleza. Un ser contradictorio que disfrutaba el momento de un beso para luego gritarle a su amado compañero de cama y trabajo Calvin Tolson que jamás volviera a hacerlo y, sin embargo, siempre lo quería a su lado y lo nombró su heredero. Un hombre pleno de contradicciones y astucia: no puede negarse que fuera brillante para haberse mantenido por 48 años en el mismo puesto.

La película nos habla de un ser despreciable, con doble moral y cara oculta. ¿Qué mejor que este siglo XXI para recordarlo y mostrarlo como espejo de tantos otros personajes semejantes que ahora padecemos? El maestro Eastwood, en su versatilidad de temas, sabe perfectamente cuál es el discurso para compartir con su público. Redentores que nadie solicita pero que llegan a sus puestos para imponer su voluntad porque es el gran beneficio para el pueblo. El guión es equilibrado. Fue escrito por el autor de "Milk" pero no se regodea en el tema homosexual: todo está en su justa medida y todo es adecuado. Un ejemplo: Cuando está sufriendo por la muerte de su amado, el ya también viejo Clyde lee una carta privada dirigida a la esposa de Roosevelt por una amante lesbiana donde habla de un beso y las comisuras de los labios: sin estridencia ni obviedades, sabemos lo que está sintiendo el hombre gracias a las palabras de una personalidad que estuvo amenazada por este tipo que compartía esa preferencia sexual. Hasta en ese momento, se muestra la contradicción presente...

Y luego tenemos la brillantez del reparto: Leonardo DiCaprio alcanza la madurez: uno no podría imaginarlo en este rol y, sin embargo, está perfecto. Físicamente oculta sus ojos azules con los cafés oscuros que proveen la dureza del monstruo original. Su sobrepeso es el adecuado y sus gestos, ademanes, tonos, dan idea de su valor actoral. En un rol poco agraciado (aunque importante) está Naomi Watts y como el amado Clyde aparece el joven Armie Hammer. Judi Dench es la estricta madre.

La fotografía es luminosa pero casi monocromática en cuanto a la falta de colores brillantes y diversos. Hay que darle esa opacidad a un personaje nada admirable porque era una vida en blanco y negro, monótona y oculta. ¡Qué gran realizador es Clint Eastwood!

Cada película es una obra soberbia, ejemplar, trascendente.

ANIVERSARIOS DEL CINE MUNDIAL EN 2012

B – EL CINE DEL MUNDO

1.-ESTADOS UNIDOS –CINCUENTENARIAS (1962)

¿QUÉ PASÓ CON BABY JANE?
(Whatever Happened to Baby Jane?)
Dir. Robert Aldrich.
Retorno de dos divas importantes del cine de los años cuarenta (Bette Davis y Joan Crawford) para iniciar un neocine de horror que rescató a personalidades del viejo Hollywood. Dos hermanas cuyas carreras cinematográficas quedaron truncas por un accidente viven un infierno en el presente. Obra cumbre de un gran director de Hollywood.

LAWRENCE DE ARABIA
(Lawrence of Arabia)
Dir. David Lean
La historia de un oficial británico en el Asia de principios de siglo XX. Durante varios años el joven Lawrence ayuda a los árabes contra los turcos. Una espléndida película con mínima acción y una soberbia fotografía que, sin embargo, cautiva a los espectadores. Peter O'Toole alcanzó el estrellato inmediato. Óscar a la mejor película del año.

EL SATÁNICO DR. NO
(Dr. No)
Dir. Terence Young
Primera aventura del personaje de James Bond en el cine. El espía británico viaja hasta Jamaica para encontrar al temible Doctor No y descubrir sus planes contra programas espaciales. Sean Connery demostró su magnetismo y repitió el rol en varias ocasiones sin dejar de lado otros papeles que establecieron su talento y versatilidad.

LOLITA
Dir. Stanley Kubrick
Un hombre se obsesiona con una adolescente de 14 años sin imaginar todo lo que hay detrás de su personalidad. Basándose en una novela de Nabokov que estableció un arquetipo (la adolescente sexualmente precoz), el maestro Kubrick nos mostró un mundo perverso que existe detrás de las buenas conciencias y los hogares decentes.

EL EMBAJADOR DEL MIEDO
(The Manchurian Candidate)
Dir. John Frankenheimer
Un ex militar de la guerra de Corea sufre un lavado de cerebro para convertirlo en asesino cuando sea necesario. Un complot que revela la traición dentro de casa es ejemplo del cine de la guerra fría como metáfora sociopolítica de la paranoia. La madre como personaje perverso.

UN TIRO EN LA NOCHE
(The Man Who Shot Liberty Valance)
Dir. John Ford
Una obra maestra del cine del oeste. La apología del héroe desconocido. Cuando retorna luego de muchos años a un pueblo donde ocurrirán los funerales de un vaquero, un senador cuenta la verdad de lo que sucedió la noche que enfrentó a un pistolero. James Stewart y John Wayne reunidos por primera ocasión.

GYPSY
Dir. Mervyn LeRoy
Versión fílmica de una clásica comedia musical de Broadway acerca del génesis de una desnudista (Natalie Wood) en los albores del Burlesque. La protagonista principal es la madre de la muchacha (Rosalind Russell, espectacular), empecinada en que se vuelva realidad el sueño que ella nunca pudo alcanzar. Tierna, con canciones muy bellas y un reparto de excelencia.

DÍAS DE VINO Y ROSAS
(Days of Wine and Roses)
Dir. Blake Edwards
La desgarradora historia de un alcohólico social que se casa con una mujer a la cual lleva por el mismo camino. Lo que inicialmente era casual (beber en fiestas) se convierte en enfermedad. Mientras el hombre comienza a entender su problema y atacarlo, la mujer va decayendo. Estrujante.

MATAR UN RUISEÑOR
(To Kill a Mockingbird)
Dir. Robert Mulligan
Una interesante novela que ocurre en el sur de Estados Unidos durante los años treinta muestra la lucha de un abogado honesto contra la injusticia al defender a un hombre negro de la acusación de violar a una mujer blanca. La comunidad está en su contra: el hombre quiere enseñar a sus hijos los valores del respeto al ser humano. Gregory Peck se ganó el Óscar como mejor actor.

LA MAESTRA MILAGROSA
(The Miracle Worker)
Dir. Arthur Penn
Helen Keller fue una niña ciega, sorda y muda. Una mujer ejemplar fue la maestra que logró domar su natural rebeldía ante sus incapacidades y encontrar una forma de comunicación. Todo ocurre a finales del siglo XIX con todas sus limitaciones. Anne Bancroft ganó el Óscar como mejor actriz.

HATARI
(Hatari!)
Dir. Howard Hawks
La palabra significa “peligro” en el idioma Swahili. La acción sucede en el África Oriental. Se narran las aventuras que viven cotidianamente un grupo de cazadores de ejemplares para zoológicos. Llega una fotógrafa para agitar la vida del jefe del grupo. El hombre ante situaciones de peligro y su reacción. Muy simple pero deliciosa. Eran otros tiempos del mundo.

LA VIDA ÍNTIMA DE CUATRO MUJERES
(The Chapman Report)
Dir. George Cukor
El equipo de un sexólogo llega a un rico suburbio de Los Ángeles para realizar encuestas anónimas con las mujeres del lugar. De tal manera van surgiendo diversas realidades: ninfomanía, frigidez, infantilismo sexual, insatisfacción. Audaz para su tiempo, recortada en su versión final, es sin embargo, otro conjunto de grandes retratos femeninos.

PASIONES SECRETAS
(Freud)
Dir. John Huston
Los inicios del vienés doctor Freud (Montgomery Clift) en el uso de la hipnosis para descubrir las causas de los temores y las pesadillas de una joven paciente. Los médicos de entonces no ponían atención a la histeria pensando que era un capricho femenino. La película es bastante discutible en su realidad pero tiene la mano de un maestro que supera cualquier limitante.

LA CELDA OLVIDADA
(Birdman of Alcatraz)
Dir. John Frankenheimer
La historia de un criminal múltiple (Burt Lancaster, excelente) condenado a prisión perpetua y en aislamiento que cierto día encuentra a un gorrión enfermo en el patio. Lo cuida hasta curarlo. Paulatinamente continúa estudiando a otras aves hasta que se torna en importante ornitólogo. La luz que surge del pantano. El genio detrás del monstruo.

DOS SEMANAS EN OTRA CIUDAD
(Two Weeks in Another Town)
Dir. Vincente Minnelli
El mismo Hollywood se autoanaliza en la historia de un actor decadente (Kirk Douglas, magnético) que recibe la oferta de trabajar en Europa en la cinta que filmará un director también en mala situación. De esta manera habrá la oportunidad de que salgan a flote viejos rencores, el desenmascaramiento de la hipocresía y del interés dentro de la industria y la propia redención.

2.-OTROS PAÍSES (CINCUENTA AÑOS)

FRANCIA

JULES Y JIM
(Jules et Jim)
Dir. Francois Truffaut
Dos hombres, amigos, se enamoran de la misma mujer, enigmática e impredecible que primero ama a uno y luego al otro hasta llegar a un final trágico. Esta libertad era revolucionaria para el cine de hace cincuenta años, pero la acción ocurría (sobre una novela autobiográfica) antes, durante y después de la Primera Guerra Mundial. La obra maestra de su realizador.

EL PROCESO
(Le Procès)
Dir. Orson Welles
Un maestro del cine tomó una de las obras cumbres de Kafka para narrarnos el absurdo del mundo y sus leyes. Un burócrata es arrestado y llevado a juicio sin que jamás se entere de los cargos que le imputan. Esta metáfora extrema sirve para explicarnos la realidad que vivimos. Extraordinaria.

VIVIR SU VIDA
(Vivre sa vie)
Dir. Jean-Luc Godard
Una mujer le informa a su marido que va a dejarlo y a su hijo. Quiere vivir su vida y buscar la fama en el cine. Sin embargo trabaja en lugares inesperados, conoce a varios hombres, cae en la prostitución. Ella vive su vida de la manera que mejor le parece. La crítica Susan Sontag expresó que “era una obra de arte bella, extraordinaria y original”. Cincuenta años después se comprueba.

CLÉO DE 5 A 7
(Cléo de 5 à 7)
Dir. Agnés Varda
Una cantante teme estar enferma de cáncer. La cinta sigue su cotidianidad mientras espera los resultados del médico. Mientras tanto vemos aspectos de su profesión, sus amistades hasta que traba amistad con un joven soldado que al día siguiente partirá a luchar a Argelia.

MORIR MATANDO
(Le doulos)
Dir. Jean-Pierre Melville
Un hombre sale de la cárcel al cumplir su condena. Mata a un hampón. Durante la película persigue a quien pensó que era un soplón de la policía. Todo termina siendo un error y la cinta es otra muestra de las ironías del destino, sobre todo en personajes subterráneos, oscuros, olvidados de la sociedad. Genial muestra de un realizador que dominaba y utilizaba este género policiaco para su expresión particular.

EL SIGNO DE LEO
(Le signe du lion)
Dir. Eric Rohmer
Primer largometraje de su gran realizador y tercer episodio de su serie de cuentos morales donde un hombre irresponsable que vive de pedir prestado se entera que su tía ha muerto. Esperando una herencia, porque cree en su signo zodiacal, ofrece una fiesta con dinero ajeno. Luego se entera que fue desheredado. Sin dinero ni equipaje, con amigos de vacaciones, no le queda más que andar por la calle y vagabundear.

EL CAPORAL EVASIVO
(Le caporal epinglé)
Dir. Jean Renoir
Un oficial francés es detenido en 1940 cuando los alemanes invaden su patria. Es llevado a campos de detención y siempre está deseando escapar. Conoce personajes singulares y contrastantes que serán sus fallidos medios para alcanzar la libertad. Insiste cada vez más. Humor dentro de la gravedad de la situación. Una hoya subestimada y tardía del padre del cine francés.

EL PROCESO DE JUANA DE ARCO
(Le Procès de Jeanne d’Arc)
Dir. Robert Bresson
Versión singular, bastante ascética y rigurosa, basada en las transcripciones originales del juicio que se siguió a la santa de Orléans hasta su muerte en la hoguera a mano de los ingleses. Juana siguió los designios de Dios, era una jovencita y sin embargo luchó con todo su empuje contra los invasores de su patria.

ITALIA

EL ECLIPSE
(L’eclisse)
Dir. Michelangelo Antonioni
La última parte de la trilogía de la incomunicación del maestro Antonioni (centenario en 2012) narra la relación imposible que se da entre una mujer sensible y un hombre terrenal. Al romper con su novio, la traductora Mónica Vitti se enamora de un corredor de bolsa. Antonioni habla de la imposibilidad del amor, de la pareja.

BOCCACCIO 70
Dirs. Fellini, De Sica, Visconti y Monicelli.
Hasta que apareció el vídeo pudimos conocer el cuarto episodio de una cinta que tuvo mucho éxito pero que recorrió el mundo con tres partes solamente. Al estilo de Boccaccio, tenemos cuatro cuentos plenos de picardía aunque en diferentes tonos: la seriedad de Visconti con una mujer rica que decide cobrar el sexo a su marido; la frivolidad de De Sica con una mujer exuberante que se rifa en una feria para conseguir el dinero que requiere su hombre; el sentido del deseo y la represión sexual en un censor cuya lujuria desata al demonio; lo cotidiano de Monicelli con una pareja que se casa, debe ocultar su matrimonio, pero trabaja en turnos opuestos.

POLONIA

CUCHILLO EN EL AGUA
(Noz w wodzie)
Dir. Roman Polanski
El primer largometraje de su inquietante realizador es una metáfora del distanciamiento entre generaciones. Un cronista deportivo y su esposa se dirigen al muelle donde irán en su barco de paseo. En el camino levantan a un joven. El hombre lo invita a viajar con ellos para humillarlo y presumir sus logros. Ambigua e interesante.

GRAN BRETAÑA

EVA
Dir. Joseph Losey
Una mujer ambiciosa e interesada entra en la vida de un flamante novelista que se encuentra en la cima del éxito. Ambos llevarán una vida tormentosa porque ella está al acecho de su paraíso privado que durará tan poco como el bíblico Jardín del Edén. Obra superior, mutilada por sus productores, de uno de los cineastas más polémicos e interesantes del cine internacional.

LA SOLEDAD DEL CORREDOR DE FONDO
(The Loneliness of the Long Distance Runner)
Dir. Tony Richardson
Un joven (Tom Courtenay), rebelde e individualista, es internado en un reformatorio luego de robar una panadería. Sus cualidades como corredor hacen que el director del lugar le tome interés y aprecio. Habrá una competencia y este joven reflexiona acerca del camino a tomar: rendirse a la institución y el conformismo o retomar su sentido de liberación.

ALGO QUE PAREZCA AMOR
(A Kind of Loving)
Dir. John Schlesinger.
Un diseñadpr industrial (Alan Bates, un actor fuera de serie, seductor y versátil) que quiere salir adelante en su vida se encuentra repentinamente ante el caso de una novia embarazada. Es obligado a cumplirle con matrimonio y vive en la casa de su suegra. La muchacha aborta pero en lugar de separarse deciden intentar la búsqueda de amor entre ellos. Debut de su realizador.

GRECIA

ELECTRA
(Ilektra)
Dir. Michael Cacoyannis
Cuando Agamenón es asesinado por su esposa a través de las manos de su amante, Electra (Irene Papas) es obligada a casarse con un campesino y su hermano Orestes es enviado al exilio. Electra vive con el deseo de venganza. Sobria adaptación de la tragedia de Eurípides por uno de los realizadores más interesantes del cine griego moderno.

JAPÓN

SANJURO
(Tsukabi Sanjûrô)
Dir. Akira Kurosawa
Con humor, Kurosawa dirigió esta secuela de “Yojimbo” donde un samurái desaliñado y antisolemne ayuda a un grupo de otros colegas para que rescaten a un noble de las garras de una banda de ladrones. Hay diversas situaciones que mueven a la risa, pero siempre está presente el sentido del honor. Toshiro Mifune luego de su experiencia mexicana en "Ánimas Trujano".

BRASIL

EL PAGADOR DE PROMESAS
(O pagador de promesas)
Dir. Anselmo Duarte
Una cinta brasileña que recorrió el mundo ganando premios porque era una muestra folklórica y religiosa de un pueblo más conocido por otros aspectos. Un hombre promete cargar una cruz como Jesús si se alivia su burro enfermo. Un director que no fue prolífico permitió en su segunda cinta que las miradas se fijaran en Brasil.

ARGENTINA

SETENTA VECES SIETE
Dir. Leopoldo Torre Nilsson
Isabel Sarli, una actriz argentina que se hizo famosa por sus escenas de desnudos y películas con temas audaces bajo el mando de su amante pareja Armando Bo, filmó bajo las órdenes de otra persona, un prestigioso realizador y mostrar otra cara del deseo y del poder: mientras su marido anhela la riqueza, otro hombre la quiere a ella. La mujer, simplemente, busca venganza.







ESPAÑA

CANCIÓN DE JUVENTUD

ROCÍO DE LA MANCHA

LOS ENREDOS DE MARISOL













Se cumplen cincuenta años del estallido de Rocío Dúrcal sobre la pantalla en comedias inofensivas, representantes del reprimido cine español, produciendo una admiración mundial por parte de la generación juvenil que buscaba y disfrutaba de sus ídolos. Por su lado, Marisol era una niña actriz, bailarina y cantante que ya tenía establecido un grupo internacional de seguidores. Todas estas películas fueron dirigidas por Luis Lucia.

EL BALCÓN DE LA LUNA
Dir. Luis Saslavsky
La reunión de Lola Flores, Carmen Sevilla y Paquita Rico, tres de las actrices - cantantes populares más importantes del espectáculo español ( curiosamente las tres filmaron en México años atrás), dio lugar a una comedia entretenidísima, con una docena de canciones y situaciones que iban de lo fantástico hasta lo trágico. Una cinematografía bastante restringida, se alimentaba, al menos, de personalidades en tramas intrascendentes pero deliciosas.

URSS

LA INFANCIA DE IVÁN
(Ivanovo detstvo)
Dir. Andrei Tarkovski.
El primer largometraje del malogrado Tarkovski narra la situación de un niño durante la Segunda Guerra Mundial. Sus padres son muertos por los alemanes. Una unidad del ejército rojo lo recoge y él, por su parte, les ayuda como explorador de terrenos donde se piensa que hay enemigos ya que por su fragilidad puede engañarlos. Una visión del sentimiento trágico de la vida; otra manera de creer en la venganza como solución personal.