INSPIRACIÓN PARA CREAR Y COMPARTIR

VARDA POR AGNÈS

(Varda par Agnès)

2019. Dir. Agnès Varda.

            Agnès Varda era consciente de su mortalidad desde que estaba a punto de cumplir los ochenta años. De ahí que se tomara el tiempo para ir cerrando inquietudes personales en cuanto a su trabajo artístico o estableciendo un testamento visual. Varda por Agnès se presentó en el Festival de Berlín en febrero del 2019 y a finales de marzo, un mes más tarde, falleció por cáncer. Ella bromeaba acerca del hecho que por la edad recibía premios por toda una vida de filmar a pesar de que sus películas no fueron taquilleras ni ella era digna de crédito financiero. Fue declarada “la abuela de la nueva ola” porque inició su carrera con un largometraje (La Pointe courte) en 1954 que ya predecía las formas narrativas y los procesos de filmación que sus sucesores utilizarían para sus propias creaciones: locaciones, blanco y negro, 16 mm (en ocasiones), actores jóvenes, historias con personajes de carne y hueso donde la esencia del ser humano era indispensable.

Varda mirando por la cámara de 16 mm,

mientras filma su primer película

            Varda por Agnès viene a ser un resumen de esa carrera, en sus propias palabras. Sentada frente a un público en una sala de teatro, Varda rememora lo que ha hecho y que se resume en tres palabras: Inspiración, para aclarar y aterrizar lo que se quiere hacer y decir; Creación, donde se incluye la forma para conseguirlo y los pasos para que se lograra; Compartir, porque nada tiene sentido si no sirve para hablar de algo o alguien y mostrárselo a otros para que guíe, aleccione, defina, complemente, explique sus acciones y circunstancias. Con imágenes de sus películas: largometrajes o cortos, ya sean de ficción o documentales, colocándolas en los contextos de espacio y tiempo diversos, o la referencia (tanto visual como oral) de su trabajo como artista visual (instalaciones y exposiciones o recursos que fueron efímeros, pero que dieron sustancia a sus documentales), Varda nos muestra cómo su trabajo se tornó en parte de vida… o viceversa.

             Demasiado plena de detalles, imágenes e historia personal o colectiva, Varda por Agnès es una herencia intelectual que las nuevas generaciones deben atesorar para que a su vez se inspiren, realicen sus propias creaciones y sirvan para compartir y mejorar a este mundo cada día más caótico. Obligatoria.

Con la cámara digital

en su última película

DESCUBRIR LA ESENCIA

EL LLAMADO SALVAJE
(The Call of the Wild)
2020. Dir. Chris Sanders.

         Buck es una mezcla de inmenso y torpe San Bernardo y Pastor Inglés que vive mimado en la casa del juez Miller (Bradley Whitford) en California. Cierta noche es robado para venderlo como perro de trineo en Alaska donde se necesitan ejemplares fuertes y grandes. De esta manera, Buck pasa de la comodidad a la dureza de algo que nunca ha hecho previamente. No obstante, su nuevo dueño, el cartero Perrault (Omar Sy) quien cubre una ruta de 800 millas en el helado norte, junto con su esposa Françoise (Cara Gee), es amable y se irá dando cuenta del valor del perro, sobre todo cuando éste va haciendo méritos que despertarán el enojo del perro líder de la jauría, Spitz, un Husky Siberiano, al cual derrotará en una pelea. Todo va bien hasta que la ruta se cancela debido a la llegada del telégrafo, por lo que Buck pasará a otras manos, tortura y posterior alegría.

El buen Perrault (Omar Sy)

La nueva vida de Buck

         No es conveniente contar toda la trama que, en este caso, se vuelve más fiel a la novela original de Jack London en que está basada. De cualquier manera, pensando en una cinta familiar, se diluyó la violencia que se muestra discretamente, además de sugerirse. Lo más importante es que se mantiene el espíritu original de la tesis darwinista de London donde el instinto natural es pasado por el material genético. Buck piensa en la supervivencia del más fuerte, utiliza su sentido de lealtad hacia su equipo y semejantes, aparte de sentirse poderoso. Cuando llegue, más adelante, hacia los valles del Yukón donde viven los lobos, se sentirá en familia. En su rudo camino de aprendizaje se le ha aparecido su esencia en forma de un inmenso y poderoso lobo que le guía instintivamente. Buck, en la novela, mantendrá el recuerdo de Jack Thornton (Harrison Ford), su último y protector amo que tendrá un triste final, aparte de reintegrarse con la manada cánida que le corresponde.

Descubrir la esencia

         La cinta utiliza una mezcla de efectos digitales creados por computadora con acción viva. Buck fue generado para que pudiera ser el personaje principal, aquel que el narrador de la novela iba explicando para que se le leyera como animal que entendía los sucesos a su alrededor, las reacciones de los demás. Con la fotografía impactante de Janusz Kaminski, quien ha sido colaborador múltiple de Spielberg (La lista de Schindler o Rescatando al soldado Ryan), el realizador Sanders, especializado en animación previamente  (Cómo entrenar a tu dragón) nos ofrece un espectáculo visual pleno de auroras boreales, lagos helados, avalanchas de nieve. Una película que nos habla del encuentro con nuestro destino, nuestra esencia, nuestra supervivencia.

1935 - 2020

2020

Antes de 1935

Nota curiosa: Con esta película Disney, nueva propietaria de lo que era la 20th Century-Fox, ha despojado de la palabra Fox al vetusto logotipo que ahora es 20th Century Studios. Casualmente, una versión de esta misma novela (muy alejada de la narración original) titulada, erróneamente, en español “Un grito en la selva” (cuando el panorama era el hielo y la montaña) filmada en 1935 y con Clark Gable, fue la última que llevó el logotipo de 20th Century Pictures, Inc. antes de la fusión con Fox Films para convertirse en la conocida marca que vimos en infinidad de películas: una triste destrucción de nuestro pasado por el poderío económico...

ASFIXIA SOCIAL

LOS MISERABLES
(Les misérables)
2019. Dir. Ladj Ly.

No hay malas hierbas,

ni hombres malos,

sino malos cultivadores.

Víctor Hugo

         El adjetivo miserable tiene muchas acepciones que van desde la descripción de una persona que es muy desgraciada o infeliz; o de alguien que vive en estado de pobreza extrema; o alguien que es avaro y mezquino; o alguien despreciable que causa daño a los demás. Víctor Hugo, en su inmortal novela, acaparó todas las definiciones y las mostró entre sus múltiples personajes. Algo semejante sucede con esta película que adopta el mismo título y hasta tiene un epígrafe final del propio autor que nos habla de los males de la sociedad.

Stéphane, Chris y Gwada

         Stéphane Ruiz (Damien Bonnard) es un policía de provincia que se ha mudado a París. Es su primer día en el barrio de Montferneil y ha sido asignado al lado de los rudos Chris (Alexis Manenti) y Gwada (Djebril Zonga) quienes patrullan por el lugar como Brigada Anticrimen. Stéphane se da cuenta que utilizan métodos completamente irregulares ante un barrio cuya población principal es de inmigrantes de color y musulmanes. Se crea un enfrentamiento entre gitanos que han instalado un circo en los alrededores, el alcalde del barrio y los policías.  Exigen la devolución de un cachorro de león que ha sido robado. Los policías descubren que el ladrón fue el pequeño Issa, rebelde e inquieto. Lo encuentran, el niño huye, se le persigue, pero en algún momento Gwada dispara y lo lastima. No obstante, todo ha sido filmado por un dron que sobrevolaba el área, manejado por otro niño, Buzz (Al-Hassan Ly). Esto representa un conflicto que los policías deben ocultar.

Los niños

         La cinta nos habla de los miserables representantes de la ley que la imponen a su modo y para su propio beneficio: policías que abusan al revisar a damas, que entran a casas sin órdenes de cateo, que ejercen componendas con delincuentes y han establecido su poder sin límites. Por otro lado están los miserables olvidados de la fortuna que se tornan en víctimas de su entorno, en presas de la delincuencia, en la necesidad de sobrevivir sin imponerse reglas morales

Salah, mediación inútil

El guion nos introduce a dos personajes intermedios como equilibrio en cada uno de los bandos opuestos. Stéphane es un policía más puro, intocado por la corrupción citadina quien todavía posee algo de inocencia y de honestidad: su mudanza a París es porque su exmujer se vino a la capital con su hijo y el policía quiere estar cerca de él. Salah (Almamy Kanoute) es un Imam que procura observar las leyes islámicas y establecer, dentro de lo posible, un orden. Y también ofrece otro aspecto negativo: los gitanos que no tienen escrúpulos en castigar al pequeño ladrón, a su manera, con crueldad miserable.

El realizador Ladj Ly

El realizador (y coguionista) Ly sitúa su trama en el barrio de Montferneil que fue precisamente el lugar donde Víctor Hugo escribió su novela en el siglo XIX en cuyo prólogo habla sobre la asfixia social. El inmenso panorama de pobreza, sometimiento y supervivencia se torna universal (Usted puede darse una vuelta por los lugares de puesteros o un barrio bravo de nuestra ciudad y extrapolar los hechos de esta película) desde las primeras imágenes que suceden en el festejo del triunfo de un partido de futbol (como lo que ocurre cuando la afición se vuelca sobre la Explanada de los Héroes ante el triunfo de los equipos locales o en el Ángel de la Independencia en la Ciudad de México). En otro momento, cuando Stéphane trata de negociar el retorno de la memoria donde está el video que evidencia la brutalidad policiaca menciona los hechos de 2005 cuando París vivió una serie de zafarranchos sociales debido a los inmigrantes del Norte de África y de musulmanes en Francia donde hubo destrozos y nulas soluciones: más que menos, la intención de Víctor Hugo al plasmar lo que era la atmósfera en su país 250 años atrás donde las circunstancias eran distintas pero la problemática semejante, de nunca acabar.

        

CORTAR LA CABEZA

REINA DE CORAZONES
(Drönningen / Queen of Hearts)
2019. Dir. May El-Toukhi.

         La abogada Anne (Trine Dyrholm), defensora de jóvenes indefensas que sufren abusos sexuales o acoso, está casada con el médico Peter y tiene dos hijas: viven en la campiña danesa, en las afueras de una ciudad. Cuando Gustav, el hijo adolescente de Peter tenido en otro matrimonio, viene a vivir con ellos, Anne trata de hacerle sentir en casa. Cierto día hay un robo en casa y Anne descubre que Gustav fue quien lo cometió. Le dice que no lo denunciará si pone algo de su parte. Luego le permite que traiga una amiga a casa y de esta manera el joven empieza a sentir confianza. Anne, por su parte, caerá presa de la lujuria y una noche entra a la recámara del joven para provocar una relación sexual. Así seguirá hasta que la mujer piensa poner un alto por el peligro de que sea descubierta. Gustav reacciona negativamente.

Madre amorosa

         La realizadora egipciodanesa El-Toukhi logra una cinta perturbadora acerca de la doble moral y la hipocresía. Anne, abogada excelente en su profesión, se convierte en aquello que combate al seducir a un joven adolescente. Guion y dirección van conformando el retrato de una mujer capaz, esposa y madre amorosa, aunque se nota que hay cierta indiferencia por parte de su marido. Su instinto empieza a pulsar cuando escucha los gemidos de los jóvenes cuando Gustav lleva a su amiga a casa y a su recámara. Paulatinamente, Anne empieza a demostrar su afecto: primero la invitación a tomar una cerveza, luego un beso. Cierta noche en que se encuentra solitaria, se dirige al cuarto del joven para masturbarlo y luego entregársele. Así inicia una serie de encuentros sin que a Anne le importe que cerca se encuentren sus hijas o que, de pronto, llegue su marido. 

Esposa amable

         Al término de la relación inicia la inquietud y la amenaza de que se revele su verdadera naturaleza. Ante ello, Anne tendrá que reaccionar de una manera inesperada a lo que se esperaría de una persona honesta y recta, interesada en la verdad y en la justicia. La cinta nos lleva hacia el descubrimiento del monstruo que reside dentro de Anne y que mostrará su egocentrismo y su falsedad. Anne es ejemplo de falsedad que satisface sus necesidades y luego se refugia en la mentira. Anne abusa de su poder: mi palabra contra la tuya. Utiliza sus armas de mujer, su fingimiento de esposa fiel, su imagen de madre abnegada para salvarse sin que importe la víctima.

Amante ilegal

         El título original se traduce como “La reina” para dar ejemplo del poder. Al agregar “de corazones” es para darle sentido a que lee “Alicia en el país de las maravillas” a sus hijas, algo que luego seguirá haciendo Gustav en el tiempo en que empieza a sentirse parte de la familia sin imaginar el destino que le espera, donde aparece el personaje de “Reina de corazones” que simplemente ordenaba que se le cortara la cabeza a sus súbditos a la menor ofensa. Aunque Gustav no era ningún joven virgen ni inocente, Anne abusa de sentimientos e induce a su confusión: reprobable en adultos. Al tornarse problema, no queda más que cortarle metafóricamente la cabeza. Trine Dyrholm es una excelente actriz danesa que muestra las dos caras de un personaje discutible. La cinta muestra escenas de sexo explícito que la actriz realiza con gran erotismo en el personaje alejado de su imagen primera como dama honesta y recta.

La realizadora May El-Toukhi

DAMAS PELIGROSAS

AVES DE PRESA
(y la fantabulosa emancipación
de una Harley Quinn).
(Birds of Prey and the Fantabulous
Emancipation of One Harley Quinn)
2020. Dir. Cathy Yan.

         Luego del éxito taquillero de Escuadrón suicida (Ayer, 2016) donde los personajes eran delincuentes a los cuales se les daba oportunidad de reformarse combatiendo a una fuerza maligna, uno de ellos fue rescatado para el Universo DC Comics. Harley Quinn (Margot Robbie) quien era la novia del Guasón (interpretado por Jared Leto). Ahora ha roto con su amado y para acabar con toda relación, destruye la fábrica de químicos donde se conocieron. No toma en cuenta el hecho de que una vez que ya no tiene la protección de Guasón, todos los criminales que la odian empiezan a atacarla. Eso es lo que corresponde al personaje principal.

         La cinta inicia con una inteligente animación que nos cuenta la vida de Harley hasta ese momento. Aunque es un ser que actúa negativamente, fuera de la ley, el hecho de romper con su novio le ha permitido adquirir algunos sentimientos. Traiciona y finalmente busca su beneficio, pero las cosas han cambiado. En la cinta, apoyará a Roman, o sea Máscara Negra (Ewan McGregor) para que recupere un diamante cuya estructura cristalina tiene la clave para acceder a una inmensa fortuna en una cuenta secreta. 

         Sin embargo, hay otros personajes que luego conformarán al grupo Aves de Presa, y que tienen que ver con Harley indirectamente: la adolescente ladrona Cassandra (Ella Jay Basco), la cantante vuelta chofer Dinah (Jurnee Smollet-Bell), la policía humillada por sus colegas Montoya (Rosie Perez, siempre magnífica) y una vengadora Cazadora (Mary Elizabeth Winstead) quien debe matar a todos los que tuvieron que ver con el asesinato de su padre.

         La cinta nos lleva a establecer cada personaje y para ello, la narración se fragmenta, se repite desde diversos ángulos, se crean los antecedentes para dimensionarlos, pero se narra una anécdota simple (la adolescente se roba el diamante y se lo traga: Harley tendrá que recuperarlo o será muerta por Roman; Perez quiere resolver el caso, Dinah quiere liberarse de las garras de su patrón, Cazadora quiere venganza). La cinta se dedica a la forma más que a contenido y se dedica, principalmente, a aplicar la fórmula de los ataques cuerpo a cuerpo que se repiten al infinito.

         Ese es el problema de una película que explota a otro personaje, en este caso antihéroe, de otro universo de historietas, pero no pasa del divertimento inane: muy bien hecho, con cierto humor (que nunca alcanza los niveles del desparpajo y cinismo de Deadpool, por ejemplo), elenco atractivo (hay que destacar a Chris Messina quien, como el ayudante mercenario desollador de Roman, aparece sádico y seductor, robando cámara en sus intervenciones), y la total indiferencia final. 

         Cathy Yan, la directora, adquirió fama por su producción previa (Dead Pigs, 2018, que puede verse en algunos servicios de streaming) donde el estilo de narrar era semejante: pasar de uno a otro personaje para establecerlos. La diferencia es que el asunto era más trascendente (manipulación de terrenos, hampones, cerdos muertos por un engaño familiar) y aquí no había más que efectos especiales: al menos posee agilidad en su manejo del ritmo. Aparte, la tendencia de introducir actores, actrices, guionistas, directores, de razas o géneros diversos, para satisfacer a quienes pugnan por la diversidad, tendencia contemporánea, no precisamente resolutoria de viejos atavismos. En fin.

GRACIOSA Y ELÍPTICA

DOLITTLE
2020. Dir. Stephen Gaghan.

         Alejada de la comedia musical de 1967 que fue un gran fracaso taquillero y fue hundiendo a la Fox: mucho más distante de las comedietas tontas con Eddie Murphy que solamente abusaban del hecho del habla de los animales, estamos ante una encantadora creación del personaje con triste historia de amor que al final de cuentas llevará al perdón, a la redención y al triunfo, como cualquier historia fantástica que se respete.

         El Dr. Dolittle era un portento de sabiduría, de conocimiento de la fauna, de bondad hacia sus semejantes, al grado que la Reina de Inglaterra le otorgó un gran espacio para que mantuviera a sus animales y diera servicio a las mascotas de los humanos, apoyado con sus fieles amigos: un orangután miedoso, una cotorra sabia, un oso polar friolento, entre muchos otros. Al perder a su mujer en una aventura, donde partió solitaria, que le llevaría a otro gran descubrimiento, llegó la melancolía, la indiferencia, el encerramiento. Ahora Dolittle vive jugando ajedrez y pasando los días con una barba crecida, sin bañarse, confinado en su casa. Todo termina cuando llegan a visitarlo la doncella Lady Rose, confidente de la Reina Victoria, quien ha caído misteriosamente enferma, para pedirle que vaya a hacerle una consulta; por otro lado, el joven Stubbins, renegado cazador, quien, por un fallido disparo a instancias de su tío, ha herido a una ardilla y quiere que Dolittle lo salve. La amenaza de perderlo todo si la Reina muere, hace que Dolittle entre en razón (y de paso salve a la ardilla).

         Esto hará que Dolittle se embarque en busca de una extraña fruta y tenga que enfrentar a un malvado rival: Y eso hace que la cinta arranque. La película es un dechado de imaginación y de personajes graciosos. La relación entre ellos va conformando una fauna plena de alegorías del comportamiento humano con errores, defectos y virtudes. Los peligros harán que cada uno busque y encuentre la manera de sobrepasar sus limitaciones y supere sus defectos. El hecho de que podamos escuchar sus quejas, temores e ironías es lo que permite una gracia tranquila que provoca la sonrisa. 

Otra gran cualidad es que Gaghan y sus coguionistas están conscientes de que todo ya ha sido contado. Se juega con la fantasía, por lo que se pueden dar el lujo de la elipsis. La trama se siente apresurada, pero era necesario: ya se sabe que acortar distancias resulta en mayor agilidad. Estamos ante una cinta que dura apenas 100 minutos (contra la musical con Rex Harrison que se sentía eterna con dos horas y media) porque ya conocemos todo lo que hay en medio de una travesía: se muestran unos hechos y ya. Tenemos en cuenta que las soluciones ante dificultades van a ser con obstáculos y aquí se tornan obvios. Y en medio de todo, está Robert Downey Jr. Su acercamiento al personaje es equilibrado y pleno de gracia. Su autocompasión se destruye y su aprendizaje de vida le devuelve la esperanza… El espectador se contamina: felicidad.

                

Stephen Gaghan, director

UNA BURLA QUE OFENDE

JOJO RABBIT
2019. Dir. Taika Waititi.

         Johannes (Roman Griffin Davis), al cual llaman Jo Jo, es un niño alemán de diez años en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial. Adora a Hitler y su amigo imaginario es precisamente una versión infantiloide del famoso dictador (Taika Waititi). Pertenece a las juventudes hitlerianas y vive con su madre Rosie (Scarlett Johansson) mientras que su padre se encuentra en la batalla. Al ir a un campamento de adoctrinamiento, le encomiendan que mate a un conejo, algo que no puede llevar a cabo. De ahí que ahora le apoden JoJo Rabbit. Un accidente le marca el rostro y hace que degraden a su capitán Klenzendorf (Sam Rockwell) quien le toma afecto al pequeño. Cierto día, mientras está solo en su casa, descubre que en un escondite secreto en el piso alto se halla una jovencita judía, Elsa (Thomasin Mckenzie). Oculta el hecho de que conoce el secreto de su madre pero vive en un grave conflicto emocional ya que, por un lado, aborrece a los judíos por inercia, pero por otro, empieza a agradarle la muchacha. Su amigo imaginario le reclama, ya que es su voz de la conciencia, y Jojo empieza a actuar erráticamente aunque sin delatarla.

         La acción sucede en un típico pueblo alemán idealizado donde sus habitantes viven entre el terror (aparecen ahorcados los judíos o los rebeldes que llegan a ser atrapados) y el juego constante (el tono siempre es burlón porque el afán de Waititi es satírico) que, al menos, no resulta tan aberrante (pero sí molesto) como la espantosa (y vergonzoso grave error de los Óscares) La vida es bella (Benigni, 1997) donde los hechos humorísticos ocurrían dentro de un campo de concentración. el equivalente del infierno sobre la tierra que merece todo el respeto del mundo por sus millones de víctimas. El hecho de mostrar a un Hitler ficticio y estúpido es el pretexto en el cual se apoya la comicidad bajo la idea de que permitirá, entonces, esa atmósfera burlesca, además de que la época va indicando la inminente derrota donde todos los malvados tendrían su merecido.

         Jojo es un niño enajenado, con el cerebro lavado por el adoctrinamiento que ha recibido. Un niño de diez años, engañado con la imagen de judíos con cola o cuernos, por mencionar una de tantas muestras de odio racial, quien además posee la inocencia de su edad. De ahí que, de repente, cuando en la cinta ocurran hechos más serios e inesperados, sea golpeado por la realidad. Y este es uno de los problemas de la película: el tono cambia hacia el dolor y la conciencia de haber vivido en el error por lo que toda la farsa y supuesta burla es cancelada. Hay una ligereza que sale a flote: no es la crítica social ni histórica, sino mero entretenimiento que vuelve triviales a hechos importantes.

         Sí, hay algunos actos que provocan la sonrisa pero que pudieron haber sucedido en cualquier comedia más fina. El reparto es talentoso, sin duda, y el pequeño Griffin Davis impacta por su naturalidad y entrega al personaje debido a su inmenso carisma. Esto es lo que atrapa a un público que seguramente ríe, sin tomar conciencia del ambiente en el cual se está inmerso. Es una lectura superficial del caso de Anna Frank (por mencionar algo que ocurrió: el escondite de posibles víctimas por seres buenos y comprensivos), carece de contexto para cualquier espectador que solamente desea pasar un buen rato (como pasaba con la revista musical de Los productores, la comedia de Mel Brooks que usaba al horror hitleriano para producirel fracaso en una empresa comercial, para que provocara el beneplácito de los espectadores: son los resultados de esta cinta, tristemente). De ahí que se produzcan sentimientos encontrados que tienden más hacia el rechazo si se tiene alguna sensibilidad, pero, sin embargo, dentro de su modesta factura ha tenido éxito taquillero: otra señal de los tiempos en que estamos, donde no importa consumir y aceptar cualquier cosa con tal de que haya "entretenimiento".

EL LÍMITE DE UN PERRO FIEL

EL DESPERTAR DE LA FIERA: DOGMAN
(Dogman)
2018. Dir. Mateo Garrone.

         Marcello (Marcello Fonte, ganador como mejor actor en Cannes 2018) es un hombrecito menudo, de apariencia inofensiva, que atiende su negocio de peluquería canina que se llama “Dogman” en un barrio pobre donde todos lo aprecian. Sin embargo, tiene su lado oscuro: vende cocaína en pequeñas cantidades, aparte de participar en saqueos de poca monta; ha sido amigo del acosador violento del lugar, Simone (Edoardo Pesce), un bruto exboxeador de gran tamaño, como pitbull humano, al cual la gente desprecia porque vive abusando de cada persona que se le atraviesa en el camino y cada establecimiento al cual asiste. Cuando éste le propone que le permita usar su peluquería para robar a la joyería que se encuentra al lado, Marcello sabe que se meterá en un problema pero se lo permite. Simone efectuará su latrocinio y Marcello se tornará en su víctima... mientras reacciona.

         Desde el inicio de la cinta podemos notar el carácter sencillo de Marcello: está bañando a un pitbull que le amenaza con sus fieras mandíbulas. El hombre muestra gran paciencia y conocimiento de su oficio hasta que el animal se rinde. En otra secuencia vemos a sus clientas quienes le confían a sus perros. O sea que es un hombre de fiar como lo demuestra el cariño que sienten hacia él sus compañeros del equipo de futbol del barrio. Después, se le muestra como padre amoroso de su pequeña hija, Alida, con la cual sale a bucear en el mar y tiene buena comunicación (contra el desprecio que le demuestra su ex esposa, aunque jamás se explican los motivos). Además, es dueño de un perro al que le muestra su aprecio y éste le corresponde. 

Todas estas cualidades contrastan con su fuente lateral de ingresos al vender la droga. Aunque sea en pocas cantidades, Marcello infringe la ley. Hay una secuencia en la cual participa en el saqueo a una casa: ya que ha acontecido, uno de los ladrones les cuenta que como el perro pequeño de la casa estaba molestándolo, lo metió a la nevera para que se congelara. Marcello se preocupa, retorna y vuelve a arriesgarse a entrar en la casa para salvarlo con lo cual es notoria su naturaleza bondadosa: todo lo negativo se debe a la mera necesidad por sobrevivir y complementar sus ingresos. La venta de droga es una de las razones por las cuales Simone lo busca y Marcello lo siente como su gran amigo. Por otro lado, al permitir Marcello el robo del negocio contiguo, propiciará un cambio repentino e inesperado en su vida.

         En la película Umberto D (1952), una de las cintas que ya iban despidiendo al neorrealismo italiano, Vittorio de Sica narraba cómo un viejo pensionado de gobierno prefería perder hasta su dignidad con tal de sobrevivir junto con su perro fiel, único motivo que le daba sentido a la existencia, al notar que su ingreso ya no era suficiente para mantenerlos. Lo que en esa cinta era demostración de una corresponsabilidad afectiva y ejemplo de entrega entre persona y mascota, en una etapa de posguerra cuando era necesario mostrar la solidaridad en cualquiera de sus formas, ahora en Dogman ha evolucionado hasta la decepción y la consecuente ira: el hombre ya no soporta la sumisión y se ha terminado la compasión. Simone se encuentra en las antípodas del personaje en la película neorrealista porque su perro humano no le importa en absoluto, a pesar de la fidelidad y la confianza absolutas

         Impactante y desgarradora, Dogman es la imagen de un mundo donde los valores se han entremezclado y luego trastocado. Las metáforas caninas sufren una revuelta. El perro fiel ya no sabrá en quien depositar su confianza y queda a la deriva: hasta un perro tiene su límite.



        

LA PERFIDIA FEMENINA

PERDIDA

2018. Dir. Jorge Michel Grau.

            Nueva lectura de una coproducción hispanocolombiana bajo el título de La cara oculta (Andrés Bais, 2011) que se inserta dentro del género de intriga y suspenso, donde el director de orquesta, Eric (José María de Tavira), llega a su casa para encontrarse un videomensaje donde su amada Carolina (Paulina Dávila) le informa que lo deja y que la olvide. Inconsolable, va a un bar donde se emborracha pero es la mesera Fabiana (Cristina Rodlo) quien lo lleva a su departamento para que pase la noche. Al día siguiente simplemente se va para retornar al bar donde pide disculpas a Fabiana a la cual lleva a su casa. Tienen relaciones sexuales y ella comienza a vivir con él. Fabiana escucha ruidos sospechosos y hasta cree que hay fantasmas. En cierto momento, la narración se enlaza al pasado y se muestra cómo los colombianos Eric y Carolina dejaron su país para trasladarse a México cuando le ofrecen el puesto como conductor de orquesta. Ella deja su carrera por acompañarlo, llegan a México donde consiguen una casa enorme, situada en medio del bosque en el Desierto de los Leones. Carolina disfruta del éxito de su pareja pero está insatisfecha.

            Y hasta aquí le puedo contar para no descubrirle lo que viene a ser un juego de apariencias, terribles casualidades y grandes traiciones. La trama sigue con situaciones que, de pronto, parecen forzadas pero que no dejan de proporcionar cierta angustia en el espectador. La desaparición de Carolina hace que la policía investigue a Eric por resultarle sospechoso. La película va sugiriendo pistas falsas que luego toman rumbos inesperados. Los personajes que aparentemente son oscuros van revelándose inocentes y víctimas del destino (en este caso, la frase hecha y tan gastada, se torna cualidad), mientras que a la inversa reaccionan de manera contraria a la imagen que han cultivado. Desconozco la cinta original pero la narración en esta versión es impecable: en cierto momento, la linealidad se rompe para que la acción se vaya al pasado y puedan tenerse antecedentes básicos para la comprensión general.

            Grau nos ofrece, en su cuarto largometraje, una nueva mirada a una cinta previa. Los mínimos cambios hacia la versión original sirven para que nos muestre su manejo del género en el cual ha tenido mayores incursiones (Chalán, 2012; A cielo abierto, 2015), luego del terror duro (Somos lo que hay, 2010; El ABC de la muerte, 2012) (pero todavía falta la obra que permita resaltar su madurez y definición). De cualquier manera, la cinta está filmada impecablemente, con bellos escenarios y una escenografía que impacta. Perdida nos muestra los estragos del amor, las consecuencias del abandono, la perfidia femenina, porque más importa lo que nos produce una melancolía emocional que una pérdida (ahora con acento) material.

ENGAÑOS Y APARIENCIAS

MARIONETA
2019. Dir. Álvaro Curiel de Icaza

         Ernesto (Rafael Ernesto Hernández) es un actor cubano que llegó a México contratado para audicionar en un papel de una serie de televisión pero la directora de la misma no está muy convencida de que sea la persona indicada. Mientras Ernesto viaja en metro se encuentra con una joven que pide limosna debido a un accidente que sufrió: se burla de ella porque no le convence. Poco después se entera que no ha conseguido el trabajo y recibe su boleto de retorno para Cuba. En otro viaje por el subterráneo, reencuentra a la misma limosnera y le dice que puede ayudarla, pero ella lo rechaza y se aleja. A la mañana siguiente, dos tipos llegan a su hotel para llevarlo a la fuerza con el Sr. Torrico (Juan Manuel Bernal) quien es, en realidad, el explotador de un grupo de pordioseros y lisiados, los cuales son entrenados por un exluchador (Fernando Banda) en la forma de pedir dinero a la gente. Torrico le reclama que haya acosado a Belén (Fátima Molina), la chica del metro, pero Ernesto le explica que su interés residía en ayudarla para que fuera más convincente. Torrico, entonces, le pide que le haga una demostración de su clase ante todos sus agremiados y luego la comprobación real con Fátima, en el metro, que resulta ser todo un éxito. Torrico le ofrece trabajo como “maestro” y Ernesto decide permanecer en México para adentrarse en un mundo oscuro y paralelo a la vida cotidiana.

         Verdad y mentira son los elementos básicos de la película. Ernesto tiene problemas con su acento cubano que le limita para ser aceptado en su audición y le asegura a la directora que podrá dominarlo y así mejorar en su papel, o sea engañar al público por medio de la ficción. Esto mismo será la base de su obsesión con la falsa lisiada que, se nota a leguas, no lo es tal, por lo que desea mejorarla en su actuación, ya que es lo que ofrece sentido a su vida. Preparar a los mendigos para engañar de la mejor manera, accediendo a su sentido primario de lástima, a la gente de la cual solicitan ayuda. Ese efecto será multiplicador con el grupo total de sometidos por Torrico. No obstante, las mentiras irán más allá con una Belén que oculta su secreto personal y familiar o Torrico quien se aparenta como honorable profesionista en su vida personal escondiendo sus acciones de sucio y descarado explotador. Todo redunda en ficción y realidad que todavía desembocará en otras existencias que dependerán del engaño (actuación) para hacer llevadera la existencia. 

         Ernesto acepta el trabajo que le ofrece Torrico porque es la única salida que tiene para permanecer en México mientras consigue otra oportunidad. Al ir obteniendo buenos resultados Torrico le ofrece el “privilegio” de su amistad y hasta lo invita a su elegante residencia para la celebración de su cumpleaños, donde el actor conoce a su familia. Y nuevamente, todo es apariencia: no existe tal posibilidad de una buena relación cuando Torrico le exige que sea el amenizador de su fiesta a lo cual Ernesto se ve en la necesidad de aceptar su condición manipulable como marioneta. También se ha tornado en otro ser explotado por el villano. Luego se enterará de la forma en que presiona a Belén para que sea la favorecida entre los demás miembros de mendigos.

         La película no llega a cuajar en su discurso universal contra la explotación: se queda en una mera anécdota puesta al día dentro del cine mexicano ya que estamos con los descendientes de la colonia de ladrones y lisiados que manejaba el sádico Miguel Inclán en Los hijos de la calle (Roberto Rodríguez, 1950) que los sometía con base en crueldad y chantajes para ser mantenido por ellos pero hundidos en condiciones de pobreza absoluta, contrariamente a la cofradía de mendigos que junto con hampones conformaban el Mesón de los Dormidos donde el contubernio era benéfico para la subsistencia de los pobres en Ventarrón (Chano Urueta, 1949). Más alejados están los mendigos invasores de centros comerciales y casas en Flores de papel (Gabriel Retes, 1977) que pertenecieron al cine permisivo sugerido del gobierno echeverrista, como búsqueda de justicia social. Todas estas cintas cumplían con su discurso melodramático sin mayores consecuencias.

         Lo que debe destacarse son las buenas actuaciones del cubano Hernández quien tiene carrera hecha previamente en su país natal además de series de televisión [lo mismo que el guionista Álvaro Arango, guionista de varias cintas de Juan Carlos Tabío, el codirector de Fresa y Chocolate (1993, con Tomás Gutiérrez Alea)]. Fátima Molina pertenece al grupo de nuevas actrices mexicanas con rasgos físicos más étnicos y su trayectoria mayor es por la televisión (la serie Diablero, por ejemplo). Y el que resulta fenomenal es Juan Manuel Bernal quien ya muestra edad y trayectoria. Entre los roles menores hay personalidades de antaño como Erando González y nuevos valores como Nicolasa Ortiz-Monasterio. El realizador Curiel de Icaza nos ofrece su segundo largometraje luego de la ligera y entretenida Acorazado (2010). Marioneta es una película bien realizada, con elenco adecuado, pero que no alcanza mayores niveles de trascendencia.