EL HIJO ÚNICO

HASTA SIEMPRE, HIJO MÍO
(Di jiu tianchang / So Long, my Son)
2019. Dir. Wang Xiaoshuai.

                   Sin narración lineal, la película nos cuenta el destino de una familia a lo largo de 40 años. Lyun (Yong Mei) y Yaojun (Wang Jingchun) se ven envueltos en la Revolución Cultural y en la política de control de nacimientos (que fue de 1979 hasta 2013), que no permitía a las parejas tener más de un hijo. La cinta inicia con la muerte accidental del hijo biológico del matrimonio y luego continúa, quince años más tarde, con un hijo adoptivo, que pronto se irá de la casa. Antes de la primera muerte, Lyun se embaraza por segunda ocasión y es forzada a abortar por ley. Su relación con la familia de un amigo del niño que fallece tendrá fuerte incidencia sobre el significado de la culpa, aunque en realidad, los personajes se resignan a su destino: estar en un lugar, durante un tiempo de restricciones (semejante al artículo 175 contra la homosexualidad en lo que les conté acerca de “La gran libertad”). De esta manera, el realizador Xiaoshuai revisa la historia de su país y ejerce una crítica a las consecuencias del pasado sobre su presente.

Cada familia con su hijo único, acorde con la ley del país

                   La cinta exige atención al espectador. Lo que inicialmente son datos aparentemente inconexos, y sin explicación, que producen dudas, se irán despejando según se aportan mayores pistas. Y esto es lo que hace fascinante a una película que también refleja el caos emocional de una generación que tuvo que llegar a extremos impensables en otra era. De ahí surge la culpa que siempre tendrá la amiga de la protagonista quien, siendo su jefa y miembro del partido, la obligó al aborto: nunca se imaginaba el sufrimiento posterior con la pérdida del hijo. El realizador comentó que, finalmente, quiso mostrar que, a pesar de los cambios generacionales y del progreso económico en China “existe primacía de lo colectivo sobre lo individual". De ahí que Lyun sea una persona que comprenda su situación y logre perdonar. (Sin embargo, sutilmente en unas escenas se muestra un gran edificio comercial atrás de una monumental estatua del tiránico Mao Tsé-Tung, yendo contra todo su discurso previo, comunista, colectivo).

Lyun y Yaojun con su hijo adoptivo, nombrado igual que el otro

                   El estilo de Xiaoshuai es lo que alarga la cinta hasta poco más de tres horas. Hay secuencias donde la cámara recorre lentamente el espacio, y otras que pudieran, aparentemente suprimirse, pero que van abonando a la comprensión de los hechos. En una de ellas, el primer hijo y su amigo, responsable indirecto de su muerte, juegan en una especie de almacén antiguo, de piedra. El amigo siempre muestra una actitud envalentonada contra la timidez del hijo. Sin que se muestre el accidente fatal, y bajo la explicación que muchos años después ofrecerá el amigo, permite entender las reacciones que ocurrirían en la muerte del niño. En otra secuencia, un amigo de la familia, siempre socarrón y rebelde, es hecho preso, desafiando a la autoridad, por lo que entra a un programa de reinserción social que lo transforma, pero que permite conocer cómo una sociedad represiva ahogaba, de otra manera, a sus integrantes.

Yaojun y Lyun retornan a Beijing a su antiguo hogar, para sellar de una vez por todas, su resignación y resiliencia.

                   Y, no obstante, la cinta no llega a cansar. Es hipnótica. Uno no puede dejar de irse enterando de lo que sucede. Es una saga familiar, fragmentada, cuatro décadas de sufrimiento y resignación, de carga de culpas, de saber que uno no puede vivir de esa manera. Además, el reparto es excelente en su interpretación. Tanto Mei como Jingchun, ganaron los Osos de Plata como mejores actores en Berlín, así como muchos premios en su propio país. A pesar de que todavía el régimen es estricto, el permiso de estas críticas muestra avances y reconocimiento al desarrollo fílmico. Al realizador Xiaoshuai se le conoció principalmente por La bicicleta de Beijing (2001) donde este transporte permitía mostrar la diferencia de clases en una China ya en proceso de cambio. El título original de esta película se traduce como “Tierra antigua, vasto cielo” que simboliza la inmensidad de la patria y la necesidad de libertad, a lo que nos invita el cielo…

El realizador Wang Xiaoshiau

 

 

EL CORDERO SACRIFICIAL

OLEG
(Oļegs)
2019. Dir. Juris Kursietis.

                   Oleg (Valentin Novopolskij, excelente) es un carnicero letón quien, dentro de las políticas de la Unión Europea, consigue permiso limitado de trabajo en Bruselas, para conseguir dinero y enviarlo a su abuela en Riga. Un accidente laboral, donde la víctima culpa, sin razón, a Oleg, provoca su despido. La necesidad de trabajar lo hace caer en las redes del afable polaco Andrzej (Dawid Ogrodnik, intenso) quien le ofrece un pasaporte falso y otra oportunidad de trabajo. Sin saber que, en realidad, Andrzej es un criminal buscado en su país, quien tiene sometidos a otros compatriotas, Oleg se encontrará en condición de esclavo.

 El extraordinario Valentín Novopolskij

                   La cinta inicia con una imagen de Oleg desvanecido sobre un lago congelado mientras se escucha una anécdota que cuenta Oleg, sobre su abuela cuando le platicó acerca del cordero sacrificial como símbolo de esperanza. Oleg le respondió que no era posible porque el cordero estaba muerto y entonces comprendió que él era un cordero listo para el sacrificio. En ese momento, Oleg se mueve y cae dentro de las aguas del helado río, buscando una salida. Esta metáfora oral/visual sirve como base del tema que se trata en la película acerca de la explotación de los trabajadores extranjeros que llegan, inocentes, con la única esperanza de conseguir dinero para enviar a sus familias, y terminan dentro de la peor esclavitud y abuso. Oleg buscará primero alternativas de trabajo ilegal (ya que su condición de trabajo era dentro de la carnicería exclusivamente), hasta que se topa con Andrzej. Luego de hacer trabajos meniales y darse cuenta de que no se le pagará, Oleg viaja a Gante en busca de otras oportunidades. Ahí puede conocer el políptico del cordero de pascua de los hermanos Van Eyck y conectarse indirectamente con la anécdota de la abuela.

 Fragmento del políptico de Jan y Hubert Van Eyck (1432), que viene a ser el símbolo en la persona de Oleg.

                   Luego de tener una aventura sexual, y todavía sin trabajo, decide retornar con Andrzej quien primero se lo reprocha, pero luego lo acepta, sometiéndolo a humillaciones, temores y amenazas. Le quita su celular y su pasaporte y le empieza a obligar a ciertos latrocinios y trabajos que no le son gratos. Durante todo este tiempo, el personaje de Oleg se ha mantenido estable y tolerante, aunque ahogándose en el mar de injusticia. Lo mueve la esperanza de ese sacrificio pascual, donde tal vez el cordero no muera. Por otro lado, la cinta también habla del destino de las mujeres: la novia de Andrzej viene a ser el retrato del maltrato y el abuso, a la cual no le quedará otra que seguir un destino cruel con tal de conservar su vida. En el caso del criminal, se le presenta como un personaje bipolar cuyo humor cambia de repente y es propenso al encanto de la serpiente y a la ira del demonio.

 Dawid Ogrodnik (a quien se le vio en "Ida" de Pawlikowski), como el explotador Andrzej, al centro...

                   Al ver la película, uno puede extrapolarla al caso de los latinos en Estados Unidos; de las personas que huyen de sus países por cualquier medio, para escapar de un cruel destino, para encontrarse, en muchos casos, en peores condiciones; o puede pensarse en los niños y adolescentes obligados a pertenecer a cárteles o que son secuestrados para el comercio de órganos o sexual. Desde otra perspectiva, es comentario acerca de la realidad de la Unión Europea, donde las condiciones de vida cambian radicalmente entre países, a pesar de la idealización que se tiene del viejo continente. Uno se cuestiona el sentido humanitario y la cinta nos permite darnos cuenta del verdadero significado del cordero pascual.

El director Juris Kursietis

EL AMOR QUE ENTREGAS

LA GRAN LIBERTAD
(Grosse Freiheit)
2021. Dir. Sebastian Meise.

         Hans (Frank Rogowski) es homosexual. Fue enviado al campo de concentración por pertenecer a la raza judía y por su orientación y, al ser liberado del lugar, directamente a prisión, ya que para los nazis era indeseable, pero para las leyes, quebrantaba el artículo 175. En esta película lo vemos en tres momentos que se van alternando: 1945, 1957 y 1969. En cada ocasión, su retorno a la cárcel, para sufrir condenas que iban de 12 a 18 meses, se debe a que seguía su naturaleza y orientación: la visita a baños públicos donde tenía sexo con hombres, sin saber que estaba siendo vigilado. En la cárcel conoce a Víktor (Georg Friedrich), su compañero de celda, un criminal condenado a perpetua, drogadicto, quien inicialmente lo rechaza, pero paulatinamente, cuando ve su número tatuado en el antebrazo, y se ofrece a cubrírselo, las cosas van cambiando. Así como Hans regresa repetidamente a prisión, Víktor mantiene su adicción. La cinta va reflejando ese acercamiento mutuo que durará por años, aunque cada uno siga adelante con sus propios hábitos: La libertad (su libertad) será cuestión de enfoques y de esperanzas personales.

Hans y Víktor en 1945

         El brillante guion va mostrando los pasos del tiempo sin producir confusión alguna. Las caracterizaciones de Hans y Víktor son una pista, además de alguna que otra referencia. Cada personaje, además, vive de sus propias esperanzas o resignaciones. Hans encuentra en prisión a sus semejantes con los cuales busca la manera de escapar la vigilancia y estar reunidos: castigos que permiten pasar la noche juntos para copular o el envío de un libro en clave al ser amado para insistir en su pasión. En 1969, un maestro, Leo (Anton von Lucke), llevado a la cárcel porque Hans comentó que él le había presionado al sexo. En 1957, el gran amor de su vida fue Óskar (Thomas Prenn), -encarcelado al mismo tiempo que Hans-, atormentado por la mancha que esa condena le otorgaría en su vida exterior, a pesar de los sueños de escapatoria en conjunto hacia otro país, una vez conseguida la libertad. Oskar buscará la suya propia, falsa.

Hans y Leo, en 1969: una relación para la redención personal

         La relación entre Hans y Víktor irá pasando del rechazo, a otra etapa que deviene amor fraternal y, finalmente, un entendimiento mutuo en lo que se refiere a su compañía. De la violencia primera, se pasa a la comprensión por el destino terrible del judío sobreviviente, despreciado por homosexual, para que, con los años, se vaya produciendo una especie de amor fraterno que irá transformándose ya por la unión carnal, por las demostraciones de afecto, por la necesidad del calor humano en noche de frío. Es esta comunión de almas la razón por la cual se irá cuestionando el sentido de libertad. A pesar de desearla, ya existe una forma de vida. Hans ha retornado, a pesar de haber sufrido previamente castigo. Víktor, en algún momento, tendrá la oportunidad de salir bajo palabra y él mismo se boicotea. Inesperadamente, llega la abolición del artículo 175. Hans podrá salir libre.

Oskar, 1957, el gran amor, el deseo de escapar, la tragedia

         Al terminar su último período, y encontrarse en la calle, Hans llega a un antro llamado “La gran libertad” donde los homosexuales ya pueden vivir sus vidas. Hans baja a un sótano donde encuentra a hombres que se masturban, tienen relaciones sexuales en diversas posiciones, se besan, demostrando que ya no existen barreras. Durante esta secuencia se escucha la canción “L’amour” de Mouloudji (que fue un cantante importante al estilo de Yves Montand o Jacques Brel), que termina con esta letra:

El amor es cuando te amo,

el amor es cuando me amas,

sin decírtelo yo

sin decírmelo tú.

Ya no son los años de riesgo y consecuencia. Ya es natural dar rienda suelta a las preferencias o a la demostración del afecto por un ser del mismo sexo. Hans se cuestiona esta realidad que desconoce: su actividad era siempre en la oscuridad, oculta, porque era una falta legal. ¿Cuál es la diferencia entre amar o darle rienda suelta al instinto sexual? Sobre todo, cuando se ha comprendido lo que significa la cercanía entre dos personas que se aman.

El apoyo de Hans contra la adicción de Víktor, en 1969

         La película nos habla sobre las injusticias de la historia. Los cambios sociales que han ofrecido mayor libertad y reconocimiento a las que eran consideradas minorías. Parte de la evolución histórica, al grado de que las nuevas generaciones ni idea tienen de lo que era la represión y la humillación. Pero ese es un pretexto: en realidad, lo más importante es el amor entre seres humanos, independientemente de sus circunstancias y deseos, que surge del entendimiento.

El realizador Sebastian Meise

 

        

 

 

LA COMEDIA DEL HÉROE

 
THOR: AMOR Y TRUENO
(Thor: Love and Thunder)
2022. Dir. Taika Waititi.

         Un prólogo nos muestra al indigente Gorr (Christian Bale, de nuevo camaleónico) perdido en el desierto, junto con su hija pequeña, pidiendo a Dios agua y sustento. Sin embargo, la niña muere. Al encontrarse con uno de los dioses, quien le responde cínicamente sobre su tragedia, Gorr adquiere la fuerza para apoderarse de la necroespada con la cual puede eliminar a los dioses. Junto con esta línea de acción, se encuentra la realidad que vive la científica Jane Foster (Natalie Portman) al encontrarse con un cáncer avanzado. Al revisar un libro sobre mitos escandinavos, decide ir hasta Asgard donde el martillo Mjolnir se encuentra hecho pedazos, pero que se reconstruye con la presencia de la mujer quien así, se convierte en el equivalente femenino de Thor. Empieza el ataque de Gorr en Asgard, llega Thor (Chris Hemsworth, con un físico envidiable), quien al verse al lado de Jane, revive su viejo romance, y juntos deciden luchar contra el villano. Así, de manera sucinta, se tiene otra de las aventuras del rubio y, en realidad, poco brillante dios noruego, que confirma el hecho de que “mucho músculo, poco seso”.

         Y así como sucedió en Thor: Ragnarok, también dirigida por el neozelandés Waititi, el sentido del humor y la ligereza es el tono que se le imparte a una cinta cuya duración apenas alcanza, por fortuna, dos horas, y de manera compacta, nos narra una aventura moral, el mal contra el bien, la redención esperada. La cinta cumple con las convenciones actuales y obligatorias de la diversidad (todas las razas, aunque se llegue a absurdos reales: los nórdicos originales eran blancos). Una de las grandes cualidades de esta película es que nos recuerda, para quienes no somos fanáticos de hueso colorado del universo Marvel, las tramas previas. Una representación teatral revive la historia de Thor, Loki y Hela, para ponernos al día. En la secuencia que nos introduce a Thor, lo vemos acompañado por los Guardianes de la Justicia, quienes lo dejan para que cumpla su misión mientras ellos parten hacia la siguiente producción de Marvel.

         Thor, junto con sus compañeros Korg, Valkiria y Jane, asisten al palacio donde habitan los dioses. Ante ellos, aparece el Dios principal, o sea Zeus (Russell Crowe), quien resulta ser vano y caprichoso. Es una de las secuencias divertidas de la cinta: Crowe interpreta con gran sentido satírico (algo impensable en el usualmente torturado actor) al dios griego (hasta utiliza un ligero acento, aparte de que al bajar escalones, juega con su faldita). Y otro incidente llevará al usual segundo final de la cinta para dejar atrapado y cautivado al espectador. Con excelentes efectos especiales y visualmente apantalladora, la película se desliza ágil. Lo que más se puede rescatar de esta cinta entretenida es la idea de que los dioses se pueden sacrificar con el fin de salvar a la humanidad. La cinta lo enfatiza, la maldad se esfuma, revive la esperanza.

El director Taika Waititi y su personaje Korg

LA MUJER Y LA MÁQUINA

EL HOMBRE PERFECTO
(Ich bin dein Mensch)
2021. Dir. Maria Schrader.

                   La arqueóloga Alma (Maren Eggers) acepta participar en un experimento acerca de la convivencia social: vivir temporalmente con un androide que ha sido fabricado acorde con su personalidad, gustos y preferencias. A cambio de ello, recibirá recursos para continuar con sus investigaciones en el Museo Pergamon, de Berlín, donde trabaja. De esta manera conoce al atractivo Tom (Dan Stevens), quien inicialmente será tan caballeroso y amable, que llegará a fastidiar a la mujer. Unas experiencias personales, amargas, la han endurecido y ahora piensa que cometió un error al aceptar tener a este robot a su lado. Así comienza una cinta cuya tesis es la reflexión sobre el significado, precisamente, del concepto de humanidad: interacción con amistad, confianza, calidez, afecto, aunque el interlocutor sea una máquina.

                   Alma llega a un centro nocturno donde están varias parejas en las mesas, platicando o bailando. Una anfitriona la presenta con Tom, quien comienza a hablarle de manera romántica y la saca a bailar, hasta que una falla le hace repetir una frase. Su anfitriona le pide disculpas: en un par de días se le entregará. Así, se establece la verdadera naturaleza, con posibles defectos, de una máquina que posee, extraordinariamente, la textura humana, en piel, aparte de otros atributos. Su sistema operativo le hace utilizar algoritmos que se irán ajustando acorde con las reacciones y situaciones que manifieste Alma. La primera noche, Tom se extraña de que la mujer le envíe a otro cuarto para “dormir”, cuando él tenía la instrucción de que estarían juntos, en el mismo cuarto, y en la siguiente ocasión, prepara un ambiente romántico que Alma rechaza. La mujer comienza a arrepentirse, pero las actitudes que irá demostrando y adquiriendo Tom, le cambiarán su opinión.

                   La realizadora-coguionista Schrader utiliza a la comedia romántica, tan común en estos tiempos, en casi toda la cinematografía mundial, como base para hablar de temas recurrentes: la soledad, la frustración personal, la necesidad de comunicación, la pérdida del sentido de compatibilidad entre personas más que en máquinas, sobre todo. De forma inteligente, un robot vendrá a ser la mejor base de comparación entre seres vivos o máquinas programadas para simularlos. En una secuencia, Alma está esperando el cambio de semáforo y nota que a su alrededor hay un tipo peleándose con el conductor de otro auto. Luego, este mismo tipo la maldecirá, simplemente por estarlo viendo. Luego de la amabilidad e ingenuidad de un androide cálido y pacífico, Alma tiene otro punto de vista para cuestionarse. Por su lado, Tom permanece un día en un café, donde mira a gente enfrascada en sus computadoras viendo vídeos donde la gente se accidenta o sufre tropiezos, sin comprender, desde su algoritmo, el motivo de ese divertimento absurdo: las paradojas del ser humano.

                   Y es que Tom es tan dulce, amable y comprensivo, que Alma comienza a darse cuenta de lo que ha estado perdiendo ante el desvarío de la vida cotidiana. Un viaje al campo, donde vive el padre de Alma, hará que Tom le haga experimentar muchas cosas que había olvidado. De pronto, la niñez, la adolescencia, retornan mentalmente para acordarse de cuando la vida era libre, sin mayores problemas que los del inicial escarceo erótico. En otro momento, una noche de copas hará que ambos tengan una relación sexual: Alma se complace, pero queda en su mente la realidad de que su conversación es un monólogo bajo el estímulo de una respuesta mecánica del otro: es un ideal que se materializa, pero que no deja de ser un ideal. Es como platicar con una mascota, sabiendo que su reacción es instintiva. Por eso, su secuencia final será expresiva y aclarará completamente el sentido de su vida.

                   Coproducida por su actor, el popular Dan Stevens (muy conocido por La bella y la bestia, más aún por la serie de televisión Downton Abbey), la cinta justifica el acento inglés en su alemán casi perfecto: para darle más sentido cosmopolita a la máquina. El espectador tiene conciencia de que el otro es un robot y, sin embargo, acepta la historia amorosa. La secuencia donde Alma conoce a Tom sucede en un espacio pleno de hologramas y otros robots. Si la vida no es perfecta, puede endulzarse con la fantasía hecha verdad cotidiana, compañía, materialización de los sueños, como decía el querido Shakespeare.

 La directora María Schrader (derecha) con su reparto

 

                  

 

RECUENTO A MITAD DE 2022

2022: MEDIO AÑO DE CINE

Sin considerar que sean las únicas, ni las mejores, mucho menos ante tantísima oferta que ya tenemos en diversas plataformas, aquí está un recuento de LO MÁS DESTACADO que hemos visto en estos seis meses del 2022, todavía sin ser postpandémico, pero que ya nos ha permitido disfrutar de mayores libertades, como antes, con lo que se llama la nueva normalidad que ya de “nueva” no tiene nada.

EN SALAS DE CINE

RIFKIN’S FESTIVAL (2020, Woody Allen). Obra de madurez, homenaje total al cine que construyó su sensibilidad estética, por el mayor director, junto con Clint Eastwood, del cine norteamericano. Recordatorio a las nuevas generaciones de las grandes películas que poco a poco se van quedando en el olvido.

BENEDETTA (2021. Dir. Paul Verhoeven) Otro realizador que retorna a su tema favorito: el erotismo rodeado del misterio, más allá de la duda razonable (como en Showgirls o Bajos instintos)

EL CONTADOR DE CARTAS (2021. Dir. Paul Schrader) Un realizador cercano a la espiritualidad, con personajes que deben de pagar sus culpas, purgar su tiempo en el infierno de la tierra, con un Óscar Isaac que muestra su versatilidad y gran talento.

LICORICE PIZZA (2021. Dir. Paul Thomas Anderson) La gran cualidad de este noveno largometraje de su magistral realizador es que, a partir de una historia de amor, reconstruye toda una época histórica, para demostrar que los años pasan, pero nosotros no (mientras estamos vivos, claro).

ADIOS, IDIOTAS (2020. Dir. Albert Dupontel) Un tono que se mueve entre la amargura de la muerte y la delicia del amor, a partir de absurdos y de un inteligente cambio de intriga a comedia de acción, a melodrama inteligente.

LA PEOR PERSONA DEL MUNDO (2021. Dir. Joachim Trier) La simple relación de hechos en la vida de una mujer indefinida en sus anhelos, da lugar a una radiografía del estado actual de las cosas: la líquida modernidad, que tanto nos insistió Bauman.

DELICIOSO (2021. Dir. Èric Besnard) El sentido clasista, la sumisión y pertenencia, la pobreza extrema y la soberbia, que dieron lugar a la Revolución Francesa son los elementos de esta cinta que establece la atmósfera que produjo ese estallido social, a través de la creación del restaurante.

LA CIUDAD PERDIDA (2022. Dirs. Adam y Aaron Nee) Recuperación del cine de aventuras en una relectura indirecta de “Dos bribones tras la esmeralda perdida”. Explota el carisma de sus intérpretes con personajes que van descubriendo sus verdaderas esencias y afinidades por medio del peligro.

RED ROCKET (2021. Dir. Sean Baker) Personajes que viven con la esperanza de cambiar su vida, contra su propio entorno. La imagen perfecta del perdedor que no quiere salir de su zona de confort.

EL PESO DEL TALENTO (2022. Dir. Tom Gormican) El cine se convierte en sueños que vivimos despiertos en las salas de cine, pero que regresan siempre, de alguna manera, a nuestras vidas. Obra excepcional.

ASESINO SIN MEMORIA (2022. Dir. Martin Campbell) Se pone en tela de juicio el papel de la ley y la justicia en la sociedad. Filmada de manera espléndida, permite, además, disfrutar de un gran actor mexicano, Harold Torres.

EL HOMBRE DEL NORTE (2022. Dir. Robert Eggers) El destino que habrá de cumplirse para lograr la liberación y cumplir con la merecida venganza filial. La saga nórdica que daría lugar al “Hamlet”. Poderosa visualmente.

LA CIVIL (2021. Dir. Teodora Ana Mihai). El tema obligado: las desapariciones y los secuestros. La inutilidad de la policía y los pusilánimes discursos presidenciales. Una mujer se lanza a investigar por su cuenta para localizar a su hija y darse cuenta de la terrible corrupción, chantaje, miedo que nos rodea.

FLEE (2021. Dir. Jonas Poher Rasmussen) A través de la animación, para cuidar la identidad de su protagonista, tenemos el documental acerca de Amin, hombre afgano y homosexual, quien debe sufrir de exilio, sacrificios, miedos para evitar la muerte por prejuicios estúpidos, religiosos, atávicos.

PARQUE JURÁSICO: DOMINIO (2022. Dir. Colin Trevorrow). Los dinosaurios retornan y sirven para ser explotados o clonados. La metáfora del poder ilimitado y controlador para mostrar los intereses que someten al mundo.

 PLATAFORMAS

La oferta es múltiple. De pronto, se rescatan ciclos completos como once películas de Pedro Almodóvar en Netflix, que incluye su cinta más reciente MADRES PARALELAS donde un cambio accidental de bebés en una guardería da lugar a una reflexión sobre la identidad, la desaparición de personas, la necesidad de desenterrar un pasado.

AZUL COBALTO (2021. Dir. Sachin Kundalkar). Una pareja de hermanos (varón y hembra) se enamoran del mismo hombre. La cinta hablará acerca de la educación sentimental, del descubrimiento de uno mismo, de la conciencia de que el amor puede acabar.

EL COMEDIANTE (2021. Dirs. Guardiola y Nuncio) Un hombre sin cualidades, como diría Musil, quien es idealista, sarcástico, vive de esperanzas que nunca se vuelven realidades hasta que deba de sublimar su existencia.

UN HÉROE (2021. Dir. Ashgar Farhadi) Gira alrededor de una idea: la responsabilidad moral. Un hombre que pasa del falso altruismo al deshonor. Otras mentalidades, ideas universales.

LA TRAGEDIA DE MACBETH (2021. Dir. Joel Coen). Versión fílmica para el siglo XXI con toda la ligereza posible. Visualmente espléndida, con elenco de primera, para hablar acerca de la ambición que nos circunda y que es perenne.

SUK SUK (2019. Dir. Ray Yeung) Dos hombres de la tercera edad se conocen, se atraen e inician una historia de amor. La homosexualidad se presenta bajo la realidad de que el tiempo pasa, los cuerpos se ajan, pero el deseo no termina.

ORGULLO Y SEDUCCIÓN (2022. Dir. Edward Ahn). Versión libre de “Orgullo y prejuicio” de Jane Austen en tiempo actual, en Fire Island, entre personajes homosexuales. Igual que Austen, ahora la crítica a las costumbres y frivolidades de la sociedad, se centran en la realidad contemporánea, dentro de la diversidad.

MONEYBOYS (2021. Dir. C.B. Yi) son los jóvenes que se prostituyen en China. Es el retrato de un joven que vive al extremo, evita las emociones, pierde el rumbo cuando se encuentra en una encrucijada hasta darse cuenta de que la respuesta le encontrará en el amor.

SPIDERHEAD (2022. Dir. Joseph Kosinski) Se busca la manera de dominar a los otros controlando sus emociones, por medio de drogas. Los prisioneros voluntarios se vuelven conejillos de indias porque son seres ínfimos: una especie de vuelta al nazismo.

CRÍMENES DEL FUTURO (2022. Dir. David Cronenberg) Espléndida obra de madurez y resumen de las obsesiones de un gran realizador, cuya reseña queda pendiente para su estreno en salas (ya lleva días en algunas plataformas).

CASOS ESPECIALES

CASABLANCA (1942. Dir. Michael Curtiz) Una de las cintas románticas más sólidas y redondas en la historia del cine, se reestrenó en salas de cine para recuperar su magia, aunque las circunstancias ya no sean las mismas (no es lo mismo haberla visto en cines que eran verdaderos palacios, bajo un entorno distinto al actual).

CINETECA NUEVO LEÓN. En la Cineteca Nuevo León se exhiben verdaderas maravillas ante escasísimo público, aunque eso mismo ocurre con las cintas no espectaculares que pasan por las salas comerciales. Se comprende que hay que llegar a Parque Fundidora, pagar estacionamiento, y caminar, pero lo peor es que no se le da ni la importancia, ni la publicidad debida (algo que siempre insistimos en su momento).  Pasó un Ciclo de Cine Judío, las Muestras Internacionales de Cine, entre otros, y mucho cine mexicano contemporáneo, que luego debe uno de buscar por otros medios. Aquí, unos títulos (y faltan muchos).

DRIVE MY CAR (2021. Dir. Ryûsuke Hamaguchi). El sentido de pérdida, identidad, choque de conciencias. La muerte de seres cercanos provoca distintas reacciones entre un director de teatro y su choferesa.

LA RULETA DE LA FORTUNA Y LA FANTASÍA (2021. Dir. Ryûsuke Hamaguchi). A través de tres cuentos cuyas protagonistas son mujeres, al genial Hamaguchi le interesa compartirnos cómo la interacción entre personas puede llevar a cierta definición, a alguna solución, a la explicación o resignación, en nuestras existencias.

LA SOMBRA DEL CAUDILLO (1960. Dir. Julio Bracho), en versión restaurada, prohibida por años, retrato de la corrupción en las altas esferas políticas.

EL HOMBRE QUE VENDIÓ SU PIEL (2020. Dir. Kaouther Ben Hania). Demoledora crítica a lo que se considera arte contemporáneo: el hombre se vuelve “obra experimental”, por lo tanto, es explotado ante el absurdo de los “genios” contemporáneos.

MEMORIA (2021. Dir. Apichatpong Weerasethakul). La memoria colectiva atrapada en el tiempo o en sonidos que provienen de otras dimensiones y espacios.

BLUE BAYOU (2021. Dir. Justin Chon). La impotencia y la desazón ante las injustas leyes migratorias. Un incidente hará que una vida tome rumbo irreversible.

SE RENTA (2020. Dir. Eytan Fox). Dos hombres homosexuales, de generaciones distintas, confrontan sus realidades: lo que en el pasado era obstáculo y tristeza, ahora se ha convertido en libertad que no conoce sus orígenes.

A PUERTAS CERRADAS (2020. Dir. Costa-Gavras), cinta más reciente de un realizador que ha entregado formidables temas políticos con crítica desgarradora. En este caso, los obstáculos que no permitieron salvar de manera práctica la terrible deuda en Grecia.

ADAM: MUJERES EN CASABLANCA (2019. Dir. Maryam Touzani). Lo que parece una sencilla historia del nacimiento de una amistad, en realidad es un discurso contra la situación femenina en Marruecos donde un embarazo fuera de matrimonio todavía es motivo de discriminación. 

ENTRE LO PEORCITO…

MOONFALL (Roland Emmerich)

MUERTE EN EL NILO (Kenneth Branagh)

BATMAN (Matt Reeves)

AMBULANCIA (Michael Bay)

MORBIUS (Daniel Espinosa)

LLAMAS DE VENGANZA (Keith Thomas)

Y en plataformas, dos plomos insoportables:

BUENA SUERTE, LEO GRANDE

EL PADRE DE LA NOVIA